MATERIALE SELECȚIONATE PENTRU DUMINICĂ 11 APRILIE 2021 / MUZICĂ; PE O ARIPĂ DE CÂNT

 8. / 11 APRILIE 2021 - MUZICĂ; PE O ARIPĂ DE CÂNT; INVITAȚIE LA OPERĂ, OPERETĂ, BALET

CHARLES HALLE

Sir Charles Hallé (n. Karl Halle ; 11 aprilie 1819 - 25 octombrie 1895) a fost un pianist și dirijor anglo-german și fondator al orchestrei The Hallé în 1858.

Charles Hallé

Cuprins

Viaţă

Hallé s-a născut Karl Halle la 11 aprilie 1819 în Hagen , Westfalia . După ce s-a stabilit în Anglia , și-a schimbat numele în Charles Hallé.

Primele sale lecții au fost de la tatăl său, un organist . În copilărie a arătat daruri remarcabile pentru a cânta la pian. A interpretat o sonatină în public la vârsta de patru ani și a jucat percuție în orchestră în primii ani. În august 1828 a luat parte la un concert la Cassel, unde a atras atenția lui Spohr. ^[1]

Apoi a studiat cu Christian Heinrich Rinck la Darmstadt , Germania în 1835 și, încă din 1836, a plecat la Paris, unde timp de doisprezece ani s-a asociat adesea cu Luigi Cherubini , Frédéric Chopin , Franz Liszt și alți muzicieni și s-a bucurat de prietenia unor mari figuri literare precum Alfred de Musset și George Sand . Începuse cu mare succes un set de concerte de cameră cu Jean-Delphin Alard și Auguste Franchomme . ^[1]

Completase o serie dintre ele când revoluția din 1848 l-a alungat de la Paris și s-a stabilit, cu prima sa soție și cei doi copii, la Londra .

A dirijat și în alte părți ale țării, precum și a cântat ca pianist. El a fost primul pianist care a jucat seria completă a sonatelor pentru pian ale lui Beethoven în Anglia. Recitalurile de pian ale lui Hallé , susținute la început din 1850 în propria casă și din 1861 în St James's Hall , Piccadilly, au fost o trăsătură importantă a vieții muzicale din Londra și li s-a datorat în mare măsură cunoașterea sonatelor pianoforte ale lui Beethoven general în societatea engleză.

Hallé a fost, de asemenea, inventatorul unei pagini mecanice pentru pianiști. Paginile erau presetate în dispozitiv, iar player-ul ar întoarce fiecare pagină prin intermediul unui mecanism de picior. „Oamenii mergeau la concertele sale doar pentru a vedea spectacolul frunze după frunze răsucindu-se, ca niște fantome, fără intervenția mâinilor umane”. ^[2]

La Uniunea Muzicală fondată de John Ella și la Concertele populare de la început, Hallé a fost un interpret frecvent. ^[1]

S-a mutat la Manchester în 1853 pentru a regiza Gentleman's Concerts din Manchester, care avea propria orchestră și în mai 1857 i s-a cerut să organizeze o mică orchestră pentru a cânta pentru Prințul Albert la ceremonia de deschidere a Comorilor de artă din Marea Britanie, cea mai mare expoziție individuală. Manchester găzduise vreodată. Hallé a acceptat provocarea și a fost atât de mulțumit de rezultate încât a menținut grupul unit până în octombrie, formând noua orchestră Hallé .

Apoi a început o serie de concerte proprii, ridicând orchestra la un ton de perfecțiune destul de necunoscut în Anglia la acea vreme. Hallé a decis să continue să lucreze cu orchestra ca organizație formală și a susținut primul său concert sub aceste auspicii la 30 ianuarie 1858.

Prima casă a orchestrei a fost Sala de Liber Schimb . Până în 1861, orchestra avea probleme financiare (a susținut doar două concerte în acel an), ^[3] [4], dar a supraviețuit sub o serie de dirijori performanți.

Monument funerar al lui Sir Charles Hallé, cimitirul Weast

În 1888, Hallé s-a căsătorit pentru a doua oară cu violonistul Wilma Neruda , văduva lui Ludvig Norman și fiica lui Josef Neruda , membri a căror familie era renumită de mult timp pentru talentul muzical.

În același an, a fost cavaler ; iar în 1890 și 1891 a făcut turnee cu soția sa în Australia și în alte părți. În 1891, a contribuit și la înființarea Royal Manchester College of Music , servind ca șef și profesor șef de pianoforte. ^[5]

A murit la Manchester la 25 octombrie 1895 și a fost înmormântat în Cimitirul Weaste , Salford. Lady Hallé, care din 1864 a fost una dintre principalele violoniste solo ale vremii, a fost în mod constant asociată cu soțul ei pe scena concertului până la moartea sa.

Familie

A fost căsătorit de două ori: mai întâi, la 11 noiembrie 1841, cu Desirée Smith de Rilieu, care a murit în 1866; și, în al doilea rând, la 26 iulie 1888, doamnei Wilma Neruda , distinsa violonistă. ^[1] Charles Edward Hallé , fiul său de prima soție, a devenit pictor și manager de galerie, în timp ce fiica sa, Elinor Hallé CBE, a fost sculptor și inventator. ^[6]

Moştenire

Hallé a exercitat o influență importantă în educația muzicală a Angliei; dacă jocul său la pian, prin care era cunoscut în principal publicului din Londra, părea remarcabil mai degrabă pentru precizie decât pentru adâncime, mai degrabă pentru claritate cristalină decât pentru căldură și pentru realizarea perfectă a textului scris, mai degrabă decât pentru individualitate puternică, era cel puțin de o valoare imensă ca oferind ideea compozitorului cu cea mai mare fidelitate. Cei care aveau privilegiul să-l audă jucând în privat, precum cei care puteau aprecia puterea, frumusețea și căldura imaginativă a dirijării sale, ar fi dat un verdict foarte diferit; și nu s-au înșelat când l-au judecat pe Hallé drept un om cu cele mai largi și mai îndrăznețe simpatii artistice, cu un dar extraordinar de înțelegere a muzicii fiecărei școli, precum și un puternic simț al umorului.A dus o lungă și grea luptă pentru cea mai bună muzică și nu a uitat niciodată demnitatea artei sale. Deși tehnica sa a fost cea din tinerețe, din perioada anterioară lui Liszt, ușurința și certitudinea pe care le-a obținut în cea mai modernă muzică nu a fost cu atât mai puțin minunată, deoarece a ascuns atât de complet mijloacele mecanice.

BERNARDINO MOLINARI

Bernardino Molinari (11 aprilie 1880 - 25 decembrie 1952) a fost un dirijor italian .

Molinari în Ierusalim, 1945

Coperta unui program de concert al Orchestrei Filarmonicii Palestinei (Tel Aviv, 15 decembrie 1947). Dirijor: Bernardino Molinari

Molinari a studiat cu Renzi și Falchi la Accademia (pe atunci „Liceo Musicale”) din Santa Cecilia din orașul său natal, Roma .

În 1912, a fost numit director artistic al Orchestrei Augusteo , Roma, redenumit ulterior Orchestra dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia , funcție pe care a ocupat-o până la sfârșitul celui de- al doilea război mondial . Din moment ce aceasta era atunci, ca și acum, poziția principală a orchestrei simfonice din Italia, a stârnit invidia mai multor rivali.

După eliberarea Romei la 4 iunie 1944, Molinari a fost contestat de public, în special în timpul a două concerte susținute în 9 și 12 iulie, pentru implicarea sa în regimul fascist. A trebuit să suspende spectacolul și, de atunci, a reușit să dirijeze la Roma doar Orchestra Teatrului de Operă. ^[1]

În 1945, a sosit în Palestina și a condus Orchestra Filarmonicii din Israel , apoi a devenit consilierul ei muzical. Interpretarea concertului pentru vioară Korngold cu David Grunschlag ca solist a fost apreciată de critici

Potrivit unora, ^[ cine? ] aranjarea imnului național israelian Hatikvah a fost lăudată de Leonard Bernstein . Versiunea sa servește majoritatea spectacolelor israeliene ale piesei.

Molinari a condus oaspeții la toate centrele muzicale importante din Europa și America. Spre deosebire de majoritatea dirijorilor italieni, el a dirijat rareori opera.

Compozitorul Robert Starer povestește despre experiența sa ca tânăr harpist la Orchestra Palestinei din anii 1940:

M-am așezat în spatele harpei [mele], am aruncat o privire la cea mai complicată parte de harpă pe care am întâlnit-o vreodată și m-am uitat cu inima puternică la dirijorul Bernardino Molinari, un maestru fin, cu experiență. Probabil că a simțit cum mă simțeam, pentru că mi-a dat fiecare indiciu și, cumva, m-a ajutat să trec prin prima mișcare fără niciun accident notabil ... " ^[2]

Cuprins

Premiere notabile

Concert

• Ottorino Respighi : Pini di Roma , Augusteo, Roma , 4 decembrie 1924
• La 15.12.1947, Molinari a regizat premiera Exodus a lui Josef Tal cu Orchestra Filarmonică din Tel-Aviv.

Înregistrare

• Antonio Vivaldi : Four Seasons , Parlophone / Cetra 1942
• Ottorino Respighi : Fontane di Roma , Odeon, ca.1942

SERGHEI PROKOFIEV

Serghei Serghievici Prokofiev (rusă: Сергей Сергеевич Прокофьев)  a fost un compozitor, pianist și dirijor rus care a stăpânit numeroase genuri muzicale și este adesea considerat unul dintre cei mai importanți compozitori ai secolului XX. A compus lucrări într-o varietate de genuri, inclusiv opere, balete, simfonii, concerte, muzică de cameră și muzică de film.

Absolvent al Conservatorului din Sankt Petersburg, Prokofiev și-a făcut un renume de compozitor-pianist avangardist, devenind cunoscut pentru o serie de lucrări disonante și virtuoze pentru instrumentul său și prin primele sale două concerte pentru pian. Primul succes al lui Prokofiev în afara arealului pianistic a fost lucrarea orchestrală Suita scită, ce cuprinde muzică inițial pentru un balet comandat de Serghei Diaghilev. Diaghilev a comandat încă trei balete lui Prokofiev: Bufonul, Pasul de oțel și Fiul risipitor - care la vremea producțiilor originale aveau un succes răsunător. Totuși, cel mai mare interes al lui Prokofiev a fost opera și a compus câteva asemenea lucrări, inclusiv Jucătorul și Îngerul de foc. Un succes al lui Prokofiev în acest gen a fost Dragostea celor trei portocale, compusă pentru opera din Chicago, montată ulterior și în Europa și Rusia.

După Revoluția Rusă din 1917, Prokofiev a părăsit Rusia, având binecuvântarea oficială a ministrului sovietic Anatoli Lunacearski și s-a stabilit în Statele Unite, apoi în Germania și la Paris, perioadă în care s-a căsătorit cu cântăreața spaniolă Carolina Codina, cu care a avut doi copii. Datorită situației economice tot mai precare din Europa, Prokofiev a revenit în Rusia în 1936. A avut un succes în această țară - în special cu Locotenentul Kijé, Petrică și lupul, Romeo și Julieta și, poate cel mai important, cu Alexandr Nevski. Invazia nazistă a Uniunii Sovietice l-a determinat să compună cea mai ambițioasă lucrare a sa, opera Război și pace, după romanul lui Lev Tolstoi. În 1948 Prokofiev a fost acuzat de „formalism antidemocratic", fapt ce l-a forțat să compună muzică stalinistă, cum ar fi oratoriul De strajă păcii. Totuși, s-a bucurat de sprijin personal și artistic din partea noii generații de interpreți ruși, inclusiv Sviatoslav Richter și Mstislav Rostropovici.

Biografie

Compozițiile din copilărie

Prokofiev s-a născut în 1891 în Sontsovka (astăzi Krasne în Regiunea Donețk din estul Ucrainei), o zonă rurală izolată în Gubernia Ekaterinoslav, Imperiul Rus. Tatăl său, originar din Moscova, era un inginer agricol, iar mama sa a fost descrisă de Reinhold Glière ca fiind "o femeie înaltă cu ochi magnifici și inteligenți...care știa să creeze în jurul ei o atmosferă caldă și naturală". După ce și-a pierdut două fiice, s-a dedicat muzicii și petrecea două luni pe an la Moscova sau Sankt Petersburg luând lecții de pian.^[5] Serghei Prokofiev a fost inspirat după ce și-a auzit mama exersând seara la pian - în special lucrări de Chopin și Beethoven - și a compus prima sa compoziție pentru pian la vârsta de cinci ani, un "Galop indian" care a fost scris pe partitură de mama sa.^[6] La vârsta de șapte ani, a învățat să joace șah.^[7] La fel ca și muzica, șahul va rămâne o pasiune pentru Prokofiev și a devenit prieten cu campionul mondial la șah José Raúl Capablanca, pe care l-a învins într-o partidă demonstrativă în 1914, și cu Mihail Botvinnik. La vârsta de nouă ani, a compus prima sa operă, Uriașul, precum și o uvertură și alte piese.

Studiile și primele lucrări controversate

În 1902, mama lui Prokofiev l-a cunoscut pe Serghei Taneiev, directorul Conservatorului din Moscova, care a sugerat inițial ca Prokofiev să înceapă să ia lecții de pian și compoziție de la Alexander Goldenweiser.^[8] Când Taneiev a fost incapabil să aranjeze acest lucru,^[9] a reușit să îl convingă pe compozitorul și pianistul Reinhold Glière să petreacă vara anului 1902 la Sontsovka, dând lecții lui Prokofiev.^[9] Acestea au culminat, la insistențele tânărului Prokofiev în vârstă de 11 ani, cu încercarea sa de a compune o simfonie.^[10] Glière a vizitat Sontsovka și în vara anului următor, pentru a continua lecțiile.^[11] Decenii mai târziu, când Prokofiev a scris despre lecțiile cu Glière, a lăudat calitățile sale de profesor, dar a fost nemulțumit de faptul că Glière i-a prezentat structura frazală cvadrată și modulații convenționale, pe care ulterior trebuia să le uite.^[12] Cu toate acestea, având cunoștințele teoretice necesare, Prokofiev a început să experimenteze cu armoniile disonante și timpii neconvenționali, într-o serie de piese scurte pentru pian, punând astfel bazele propriului său stil muzical.^[13]

După o vreme, mama lui Prokofiev și-a dat seama că izolarea din Sontsovka îngrădea dezvoltarea lui muzicală, dar părinții săi au ezitat cu privire la începerea carierei muzicale a fiului lor la o vârstă atât de mică. În 1904, Prokofiev și mama sa au vizitat Sankt Petersburg, pentru a analiza posibilitatea mutării acolo pentru studii.^[14] Au făcut cunoștință cu Alexandr Glazunov, profesor la Conservator, care a cerut să îl întâlnească pe Prokofiev. Glazunov a fost atât de impresionat, încât i-a cerut mamei ca fiul ei să se înscrie la Conservatorul din Sankt Petersburg.^[15] Până în acest moment, Prokofiev a compus încă două opere, Insulele pustii și Sărbătoare în timpul ciumei, și lucra la a patra, Undine.^[16] A trecut testele preliminare și a fost acceptat la Conservator în același an.

Cu câțiva ani mai tânăr decât majoritatea colegilor săi, era văzut ca fiind un individ excentric și arogant și își exprima adesea nemulțumirea cu privire la ore, pe care le vedea ca fiind plictisitoare.^[17] În această perioadă a studiat, printre alții, cu Alexander Winkler,^[18] Anatoli Liadov, Nikolai Tcherepnin și Nikolai Rimsky-Korsakov.^[19] A fost coleg cu compozitorii Boris Asafiev și Nikolai Miaskovski, ultimul devenindu-i prieten apropiat pe viață.

Ca membru al scenei muzicale din Sankt Petersburg, Prokofiev și-a creat reputația de rebel muzical, primind laude pentru compozițiile sale originale, pe care le interpreta el însuși la pian.^[20][21] În 1909, a absolvit cursurile de compoziție având calificative mediocre. A continuat să studieze la Conservator: pianul cu Anna Yesipova și dirijatul cu Nikolai Tcherepnin.^[22]

În 1910 a murit tatăl lui Prokofiev, iar sprijinul financiar a încetat. Din fericire, a început să își creeze un renume de compozitor, deși provoca adesea controverse din cauza lucrărilor sale avangardiste. De exemplu, Sarcasmurile pentru pian, op. 17 (1912) utilizează intens politonalitatea^[23] iar Studiile op. 2 (1909) și cele Patru piese, op. 4 (1908) sunt lucrări foarte cromatice și disonante. În această perioadă, a compus primele sale două concerte pentru pian, al doilea generând scandal la premiera din 23 august 1913. Conform unui spectator, publicul a părăsit sala, exclamând: „La naiba cu muzica asta futuristă! Și pisicile de pe acoperiș fac muzică mai bună!", deși moderniștii erau în extaz.^[24]

În 1911, a primit ajutor de la celebrul muzicolog și critic rus Alexandr Ossovski, care a adresat o scrisoare publicistului muzical Boris P. Jurgenson, care i-a oferit lui Prokofiev un contract.^[25] Prokofiev a făcut primul său drum în străinătate în 1913, călătorind la Paris și Londra, unde a cunoscut compania Ballets Russes a lui Serghei Diaghilev.

Primele balete

În 1914, Prokofiev și-a încheiat cariera de la Conservator, participând la un concurs "bătălia pianelor", o competiție pentru cei mai buni cinci pianiști, premiul fiind un pian cu coadă Schreder. Prokofiev a câștigat concursul interpretând propriul Concert pentru pian, nr. 1.^[26] La puțin timp după, a călătorit la Londra, unde a luat legătura cu impresarul Serghei Diaghilev. Acesta a comandat primul balet al lui Prokofiev, Alla și Lolli, dar a respins lucrarea înainte de a fi terminată, când Prokofiev i-a adus-o în Italia, în 1915. La puțin timp, Diaghliev i-a comandat lui Prokofiev baletul Bufonul. Sub îndrumarea lui Diaghliev, Prokofiev și-a ales subiectul dintr-o colecție de basme a etnografului Aleksandr Afanasiev.^[27] Povestea, despre un bufon și o serie de scamatorii, i-a fost inițial sugerată de Diaghilev lui Igor Stravinski, ca un posibil subiect, iar Diaghilev și coregraful său Léonide Massine l-au ajutat pe Prokofiev în producția baletului. Datorită lipsei sale de experiență în domeniul baletului, Prokofiev a revizuit extensiv lucrarea în anii 1920, după critica detaliată a lui Diaghilev, înainte de prima producție.^[28] Premiera baletului a avut loc la Paris, pe 17 mai 1921, având un mare succes și a fost admirată de o audiență ce îi includea pe Jean Cocteau, Igor Stravinski și Maurice Ravel. Stravinski a spus că „este singura lucrare muzicală modernă pe care poate să o asculte cu plăcere", în vreme ce Ravel a numit-o „o lucrare de geniu".^[29]

Primul Război Mondial și Revoluția

În timpul Primului Război Mondial, Prokofiev a revenit la Conservatorul din Sankt Petersburg, unde a studiat orga pentru a evita recrutarea. A compus opera Jucătorul, bazată pe romanul cu același nume al lui Fiodor Dostoievski, dar repetițiile au fost problematice, iar premiera programată pentru 1917 a trebuit să fie anulată din cauza Revoluției din Februarie. În vara acelui an, Prokofiev a compus prima sa simfonie, Clasica. Acesta este titlul pe care el l-a dat Simfoniei compuse într-un stil pe care, conform lui Prokofiev, l-ar fi utilizat Joseph Haydn dacă ar fi trăit în acea perioadă.^[30] Este în stil clasic prin formă, dar incorporează elemente moderne de limbaj muzical. În aceeași perioadă, Prokofiev a compus și Concertul pentru vioară, nr. 1, în Re major, op. 19, care trebuia să aibă premiera în noiembrie 1917. Premierele acestor lucrări au trebuit să fie amânate până pe 21 aprilie 1918, respectiv 18 octombrie 1923. A trăit o perioadă împreună cu mama sa în Kislovodsk din Caucaz. Deoarece situația politică din țara sa era tot mai dificilă, Prokofiev a decis în 1918 să părăsească Rusia, cel puțin temporar. Nu vedea niciun viitor pentru muzica sa experimentală, iar în luna mai s-a îndreptat spre Statele Unite. Înainte de plecare s-a împrietenit cu anumiți bolșevici, precum Anatoli Lunacearski, Comisarul pentru Educație al Poporului, care i-a spus: "Tu ești un revoluționar în muzică, noi suntem revoluționari în viață. Ar trebui să lucrăm împreună. Dar dacă vrei să mergi în America, eu nu îți voi sta în cale."^[31]

Viața în străinătate

Prokofiev în 1918

La sosirea sa în San Francisco, după ce a fost interogat de oficialii vamali din Angel Island pe 11 august 1918,^[32] Prokofiev a fost repede comparat cu alți exilați ruși celebri (cum ar fi Rahmaninov) și a debutat cu succes, după ce a susținut un concert solo în New York, ceea ce a condus la alte angajamente. A primit în curând un contract pentru producția operei Dragostea celor trei portocale dar, datorită bolii și ulterior a morții directorului, premiera a fost amânată. Această întârziere este un alt exemplu al ghinionului avut de Prokofiev în ceea ce privește operele. Acest eșec l-a costat cariera sa americană, deoarece opera i-a ocupat foarte mult timp. În scurt timp, Prokofiev a început să aibă probleme financiare, iar în aprilie 1920 a pornit spre Paris, nedorind să revină în Rusia cu un eșec.^[33]

Parisul era mult mai bine pregătit pentru stilul muzical al lui Prokofiev. Și-a reluat angajamentele cu producțiile de balet ale lui Diaghilev și a continuat lucrul la diferite compoziții mai vechi lăsate neterminate, cum ar fi Concertul pentru pian nr. 3. Dragostea celor trei portocale a avut în cele din urmă premiera la Chicago, pe 30 decembrie 1921 sub bagheta compozitorului.

În martie 1922, Prokofiev s-a mutat cu mama sa în Ettal din Alpii Bavariei, unde a stat timp de peste un an pentru a se dedica exclusiv compoziției. Majoritatea acestui interval de timp a fost petrecut lucrând la opera Îngerul de foc, inspirată după romanul cu același nume al lui Valeri Briusov. Lucrările sale din această perioadă au început să fie recunoscute și în Rusia și a primit câteva invitații să revină, dar a decis să rămână în Europa. În 1923 s-a căsătorit cu cântăreața spaniolă Carolina Codina (1897-1989), cunoscută sub numele de scenă Lina Llubera,^[34] înainte să se mute înapoi la Paris.

Acolo câteva dintre lucrările sale, cum ar fi Simfonia nr. 2, au fost interpretate, dar s-au bucurat de un succes modest.^[35] Totuși, Simfonia l-a determinat pe Diaghilev să îi comande lui Prokofiev baletul Pasul de oțel, un balet modernist produs cu intenția de a înfățișa industrializarea Uniunii Sovietice. A avut parte de o receptare entuziastă atât din partea publicului parizian, cât și din partea criticilor.

Prokofiev și Stravinski și-au reluat prietenia, deși lui Prokofiev nu îi plăceau în mod deosebit lucrările lui Stravinski din această perioadă^[36] și s-a sugerat că folosirea de către Prokofiev a textului din lucrarea Simfonia Psalmilor a lui Stravinski pentru a caracteriza invazia Cavalerilor Teutoni din filmul lui Serghei Eisenstein, Alexandr Nevski, a fost cu inteția de a sugera un atac asupra muzicii lui Stravinski.^[37] Totuși Stravinski îl admira mult pe Prokofiev, spunând că este cel mai bun compozitor rus al vremii, după el însuși.^[38]

În jurul anului 1927, situația lui Prokofiev a început să se îmbunătățească. Avea comenzi importante din partea lui Diaghilev și a efectuat turnee în Rusia. În plus, montarea operei Dragostea celor trei portocale în Leningrad a avut un succes foarte important. Alte două opere (printre care Jucătorul) au fost montate în Europa, iar în 1928 Prokofiev a finalizat Simfonia nr. 3, care era ușor inspirată după opera sa nejucată Îngerul de foc. Dirijorul Sergei Kusevitsky a numit Simfonia nr. 3 „cea mai bună simfonie de la Simfonia nr. 6 a lui Ceaikovski încoace".

Între 1928 și 1929, Prokofiev a compus ceea ce se va dovedi a fi ultimul său balet pentru Diaghilev, Fiul risipitor, care a avut premiera pe 21 mai 1929, la Paris, cu Serge Lifar în rolul principal.^[39] Diaghilev a murit la doar câteva luni după aceea.

În 1929, Prokofiev a compus Divertimento, op. 43 și a revizuit Sinfonietta, op. 5/48, o lucrare începută pe vremea când era student la Conservator. Prokofiev a scris în autobiografia sa că nu înțelegea de ce Sinfonietta era atât de rar interpretată, deși Simfonia Clasica era interpretată peste tot. Mai târziu în acel an și-a accidentat ușor mâinile în urma unui accident de mașină, care l-a împiedicat să interpreteze la Moscova. După ce s-a vindecat, a efectuat un turneu de succes în Statele Unite, dar și în Europa.

În 1930, Prokofiev a început să lucreze la primul său balet non-Diaghilev, Pe Boristen, Op. 51, a lucrare comandată de Serge Lifar, care a fost numit prim-balerin al Operei din Paris.^[40] În 1931 și 1932, a terminat Concertele pentru pian nr. 4 și nr. 5.

La începutul anilor 1930, Prokofiev a început să simtă tot mai mult dorul Rusiei.^[35] A mutat tot mai multe premiere și comenzi de la Paris în țara sa natală. O asemenea lucrare a fost Locotenentul Kijé, comandată ca și coloană sonoră pentru un film sovietic. O altă comandă, din partea Teatrului Kirov din Leningrad, a fost baletul Romeo și Julieta, care astăzi este una dintre cele mai cunoscute lucrări ale lui Prokofiev.^[41] Totuși, finalul fericit al baletului (contrar finalului lui Shakespeare), a cauzat amânarea premierei lucrării pentru câțiva ani.

Revenirea în Uniunea Sovietică

Prokofiev împreună cu Dmitri Șostakovici (în centru) și Aram Haciaturian (în dreapta) (1940)

În 1936, Prokofiev a revenit definitiv în Uniunea Sovietică, urmat de familia sa, un an mai târziu. În această perioadă, politica oficială a statului cu privire la muzică s-a schimbat: un birou special, Uniunea Compozitorilor Sovietici, a fost înființat pentru a urmări toate activitățile artiștilor. Prin limitarea influențelor străine, această politică va cauza izolarea completă a compozitorilor ruși față de restul lumii. Atât Prokofiev, cât și Șostakovici au fost bănuiți de „tendințe formaliste". Forțat să accepte aceste circumstanțe noi (orice comentarii ar fi avut în particular despre ele), Prokofiev a compus o serie de lucrări de propagandă (Op. 66, 79 și 89), pe versuri de poeți sovietici, care aveau aprobare oficială. În aceeași perioadă, Prokofiev a compus muzică pentru copii (Trei cântece pentru copii și Petrică și lupul, printre altele) precum și monumentala Cantată pentru a 20-a aniversare a Revoluției din Octombrie, care a fost interzisă și a avut premiera parțială abia în 1966.

În 1938, Prokofiev a colaborat cu Eisenstein pentru a compune muzica filmului epic istoric Alexandr Nevski. Pentru această producție, Prokofiev a compus una dintre cele mai inventive și dramatice lucrări ale sale. Deși filmul avea o înregistrare audio foarte slabă calitativ, Prokofiev a adaptat cea mai mare parte a muzicii într-o cantată pentru mezzosoprană, orchestră și cor, care a fost frecvent interpretată și înregistrată. În tandem cu succesul înregistrat de Alexandr Nevski, Prokofiev a compus prima sa operă sovietică, Semyon Kotko, care trebuia să fie produsă de regizorul Vsevolod Meyerhold. Totuși, premiera lucrării a fost amânată, deoarece Meyerhold a fost arestat pe 20 iunie 1939 de către NKVD (poliția secretă a lui Stalin) și a fost executat pe 2 februarie 1940.^[42] La câteva luni după arestarea lui Meyerhold, Prokofiev a fost „invitat" să compună Zdravitsa (Multă sănătate, tradus uneori drept Glorie lui Stalin, op. 85) pentru a sărbători a 60-a aniversare a lui Stalin.^[43]

În 1939, Prokofiev a compus Sonatele pentru pian nr. 6, 7 și 8, Op. 82-84, cunoscute astăzi sub numele de „Sonatele de Război". La premierele lucrărilor, au interpretat Prokofiev (Nr. 6, 8 aprilie 1940),^[44] Sviatoslav Richter (Nr. 7, Moscova, 18 ianuarie 1943) și Emil Gilels (Nr. 8, Moscova, 30 decembrie 1944).^[45] Biograful Daniel Jaffé a declarat că Prokofiev, „fiind forțat să compună o evocare glorioasă a nirvanei pe care Stalin dorea ca toată lumea să creadă că el a creat-o" (Zdravitsa), în aceste lucrări a expus „adevăratele sale sentimente".^[46] Ca dovadă, Jaffé a indicat faptul că partea centrală a Sonatei nr. 7 se deschide cu o temă bazată pe liedul lui Schumann Wehmut („Tristețe", care apare în colecția Liederkreis, op. 39, a lui Schumann).^[47] În mod ironic (deoarece se pare că nimeni nu a observat aluzia), Sonata Nr. 7 a primit Premiul Stalin (Clasa a doua), iar Sonata nr. 8 Premiul Stalin Clasa Întâi^[45], chiar dacă lucrările au fost ulterior interpretate ca reprezentând felul lui Prokofiev de „a-și exprima ura și frustrarea cu privire la regimul sovietic".^[48]

Perioada războiului

Prokofiev împreună cu a doua sa soția, Mira Mendelson

Prokofiev avea de gând să compună o operă după romanul Război și pace al lui Lev Tolstoi când invazia Germaniei asupra Rusiei din 22 iunie 1941 a făcut necesitatea compunerii acestei lucrări urgentă. Lui Prokofiev i-au fost necesari doi ani să compună prima versiune a operei Război și pace. Din cauza războiului, a fost evacuat împreună cu un număr mare de artiști, inițial în Caucaz, unde a compus Cvartetul de coarde nr. 2 (Op. 92). În această perioadă, relația sa cu scriitoarea și libretista Mira Mendelson (1915-1968) a dus la destrămarea relației sale cu soția sa Lina, deși cei doi nu au divorțat niciodată în mod oficial. Prokofiev a încercat să o convingă pe Lina și pe cei doi fii ai săi să părăsească Moscova, dar ea a ales să rămână.^[49]

În perioada războiului, restricțiile asupra stilului și cerința ca artiștii să compună lucrări într-un stil „realist socialist" au fost diminuate, iar Prokofiev a fost astfel capabil să compună în stilul său propriu. Sonata pentru vioară nr. 1 (Op. 80), Anul 1941 (Op. 90) și Balada băiatului rămas necunoscut (Op. 93) au fost compuse în această perioadă. Unii critici au remarcat faptul că încărcătura emoțională a primei Sonate pentru vioară și a multor alte lucrări ale lui Prokofiev din această perioadă „au de a face mai mult cu antistalinismul decât cu războiul în sine"[9]</ref> și că majoritatea lucrărilor sale târzii „rezonează cu ironiile întunecate și tragice ce pot fi interpretate doar ca fiind critici la adresa represaliilor lui Stalin".^[50]

În 1943, Prokofiev i s-a alăturat lui Eisenstein în Alma-Ata, cel mai mare oraș din Kazahstan, pentru a compune muzică de film (Ivan cel Groaznic) și baletul Cenușăreasa, una dintre cele mai cunoscute și melodioase compoziții ale sale. Tot în acel an, a interpretat fragmente din opera Război și pace colectivului de la Teatrul Bolșoi.^[51] Totuși, guvernul sovietic avea anumite păreri despre operă ce au condus la numeroase revizuiri.^[52] În 1944, Prokofiev s-a mutat într-o colonie a compozitorilor de la periferia Moscovei, pentru a compune Simfonia nr. 5 (op. 100), care se va dovedi a fi cea mai cunoscută simfonie a sa, atât în Rusia, cât și în străinătate.^[53] La puțin timp, Prokofiev a suferit o contuzie provocată în urma unei căzături cauzate de hipertensiune arterială cronică.^[54] Nu s-a recuperat niciodată de pe urma acestei leziuni care i-a afectat serios productivitatea din anii următori, deși unele dintre ultimele sale lucrări sunt la fel de bune ca și cele care au fost compuse înainte.^[55]

Ultimii ani

Prokofiev și Mstislav Rostropovici

Prokofiev a avut timp să compună Simfonia nr. 6 (op. 111) și Sonata pentru pian nr. 9 (op. 103) înainte ca Partidul, pe baza Doctrinei Jdanov, să își schimbe opinia despre muzica sa.^[56] Sfârșitul războiului a permis Partidului să strângă legăturile sale asupra artiștilor, iar compozitorii erau din nou forțați să elimine influențele străine din muzica lor. Muzica lui Prokofiev era văzută în această perioadă drept un exemplu grav de formalism și a fost clasificat drept „antidemocratic". Deoarece majoritatea lucrărilor sale au fost interzise, sălile de concert și operele, speriate, au refuzat să îi mai programeze lucrările, iar Prokofiev a început să aibă grave probleme financiare.

Pe 20 februarie 1948, soția lui Prokofiev, Lina, a fost arestată pentru „spionaj" după ce a încercat să trimită bani mamei sale din Spania. A fost condamnată la 20 de ani de închisoare, dar a fost eliberată în 1953, după moartea lui Stalin, iar în 1974 a părăsit Uniunea Sovietică.^[57]

Ultimele opere ale lui Prokofiev au fost anulate de către Teatrul Kirov. Acest eșec, combinat cu starea sa de sănătate tot mai precară, l-a determinat pe Prokofiev să se retragă treptat din viața muzicală activă. Medicii i-au recomandat să își limiteze activitățile, fiindu-i permis să compună o oră, maxim două ore pe zi. În 1949, a compus Sonata pentru violoncel în Do major, Op. 119 pentru Mstislav Rostropovici (la acea vreme, în vârstă de 22 de ani), care a interpretat-o la premiera din 1950, împreună cu Sviatoslav Richter. Pentru Rostropovici, Prokofiev a recompus și Concertul pentru violoncel, transformându-l într-o simfonie-concert, ultima sa capodoperă importantă și un punct de referință din repertoriul pentru violoncel și orchestră. Ultima interpretare publică din timpul vieții sale a fost Simfonia nr. 7 (op. 131), din 1952.

Moartea

Mormântul lui Serghei Prokofiev

Serghei Prokofiev a decedat la vârsta de 61 de ani, pe 5 martie 1953, în aceeași zi cu Iosif Stalin. În ultimii ani de viață a locuit în apropiere de Piața Roșie iar pentru trei zile mulțimea s-a adunat pentru a-l jeli pe Stalin, lucru care a făcut imposibil transportul sicriului cu trupul neînsuflețit al lui Prokofiev la sediul Uniunii Compozitorilor pentru serviciile funerare. Este înmormântat la Cimitirul Novodevichy din Moscova.^[56]

Publicația muzicală de bază a Uniunii Sovietice a anunțat moartea lui Prokofiev într-un scurt articol la pagina 116; primele 115 pagini au fost dedicate morții lui Stalin. De obicei, moartea lui Prokofiev este atribuită unei hemoragii cerebrale. Deși bolnav cronic în ultimii opt ani de viață,^[58] cauza exactă a morții lui Prokofiev rămâne nesigură.

Lina Prokofieva a mai trăit mulți ani după moartea lui Prokofiev, murind la Londra la începutul anului 1989. Încasările din drepturile de autor ale soțului ei i-au furnizat un venit modest. Fiii lui Prokofiev Sviatoslav (1924-2010), arhitect, și Oleg (1928-1998), pictor, sculptor și poet, și-au dedicat mare parte din viața lor pentru promovarea vieții și muzicii tatălui lor.^[59][60]

Înregistrări

Prokofiev a fost solist împreună cu Orchestra Simfonică din Londra dirijată de Piero Coppola în prima înregistrare a Concertului pentru pian nr. 3 al său, înregistrat la Londra în iunie 1932. Prokofiev a înregistrat și o parte dintre lucrările sale pentru pian solo la Paris pentru HMV în februarie 1935; aceste înregistrări sunt disponibile pe CD. În 1938, a dirijat Orchestra Filarmonică din Moscova pentru înregistrarea celei de-a doua suite din baletul Romeo și Julieta; această înregistrare a fost disponibilă pe Long play și CD. O altă înregistrare inițial atribuită lui Prokofiev și Orchestra din Moscova a fost Concertul pentru vioară nr. 1, cu David Oistrah în calitate de solist; Everest Records a lansat această înregistrare pe CD. În ciuda atribuirii, dirijor s-a dovedit a fi Aleksandr Gauk. A fost descoperit un filmuleț cu Prokofiev interpretând la pian o parte din muzica sa pentru opera Război și pace și apoi explicând muzica sa.

Premii și onoruri

Timbru comemorativ sovietic din 1991 pentru aniversarea a 100 de ani de la nașterea lui Prokofiev

• Șase Premii Stalin
  • (1943): Clasa a doua - pentru Sonata pentru pian nr. 7
  • (1946): Clasa întâi - pentru Simfonia nr. 5 și Sonata pentru pian nr. 8
  • (1946): Clasa întâi - pentru muzica filmului Ivan cel Groaznic
  • (1946): Clasa întâi - pentru baletul Cenușăreasa
  • (1947): Clasa întâi - pentru Sonata pentru vioară nr. 1
  • (1951): Clasa a doua - pentru suita vocal-simfonică Foc de tabără în iarnă și oratoriul De strajă păcii
• Premiul Lenin - Simfonia nr. 7 (1957, postum)
• Artistul Poporului al RSFSR (1947)
• Ordinul Steagul Roșu al Muncii

Principalele lucrări

Opere

• Maddalena, Op. 13 (1911-1913)
• Jucătorul, Op. 24 (1915-1916, revizuită în 1927); după Dostoievski
• Dragostea celor trei portocale, Op. 33 (1919)
• Îngerul de foc, Op. 37 (1919-1927)
• Semyon Kotko, Op. 81 (1939)
• Logodna într-o mănăstire, Op. 86 (1940-1941)
• Război și pace, Op. 91 (1941-1952), după Tolstoi
• Povestea unui om adevărat, Op. 117 (1947-1948)

Balete

• Bufonul, Op. 21 (1915, revizuită în 1920)
• Pasul de oțel, Op. 41 (1925-1926)
• Fiul risipitor, Op. 46 (1928-1929)
• Romeo și Julieta, Op. 64 (1935-1936)
• Cenușăreasa, Op. 87 (1940-1944)

Simfonii

• Simfonia nr. 1 în Re major Clasica, Op. 25 (1916-1917)
• Simfonia nr. 2 în Re minor, Op. 40 (1924-1925)
• Simfonia nr. 3 în Do minor, Op. 44 (1928)
• Simfonia nr. 4 în Do major, Op. 47 (1929-1930) - revizuită ca Op. 112 în 1947
• Simfonia nr. 5 în Si bemol major, Op. 100 (1944)
• Simfonia nr. 6 în Mi bemol minor, Op. 111 (1945-1947)
• Simfonia nr. 7 în Do diez minor, Op. 131 (1951-1952)

Concerte

Pian

• Concertul pentru pian nr. 1 în Re bemol major, Op. 10 (1911-1912)
• Concertul pentru pian nr. 2 în Sol minor, Op. 16 (1912-1913, pierdut, rescrisă în 1923)
• Concertul pentru pian nr. 3 în Do major, Op. 26 (1917-1921)
• Concertul pentru pian nr. 4 în Si bemol major, Op.53 (1931) - pentru mâna stângă (compus pentru Paul Wittgenstein)
• Concertul pentru pian nr. 5 în Sol major, Op. 55 (1932)

Vioară

• Concertul pentru vioară nr. 1 în Re major, Op. 19 (1916-1917)
• Concertul pentru vioară nr. 2 în Sol minor, Op. 63 (1935)

Violoncel

• Concertul pentru violoncel în Mi minor, Op. 58 (1933-1938)
• Simfonie-Concert pentru violoncel și orchestră în Mi minor, Op. 125 (1950-1952)

Muzică de cameră

• Uvertură pe teme evreiești, Op. 34 (1919) pentru clarinet, cvartet de coarde și pian
• Cvintet în Sol minor, Op. 39 (1924) pentru oboi, clarinet, vioară, violă și contrabas
• Cvartetul de coarde nr. 1 în Si minor, Op. 50 (1930)
• Cvartetul de coarde nr. 2 în Fa major, Op. 92 (1941)

TEODOR ROGALSKI

Bustul lui Theodor Rogalski, facut de sculptorul Ion Jalea, expus în holul Studioului de concerte 'Alfred Alessandrescu' al Societății Române de Radiodifuziune

Theodor Rogalski (n. 11 aprilie 1901 – d. 2 februarie 1954) a fost un compozitor, dirijor, orchestrator și pianist român de origine poloneză care reprezintă un nume de referință pentru evoluția culturii muzicale românești din prima jumătate a secolului al XX-lea.

După studii la București cu Alfonso Castaldi și Dimitrie Cuclin, urmează perioada studiilor la Conservatorul din Leipzig (1920 - 1923) și apoi la Schola Cantorum din Paris (1923-1926), unde este discipolul lui Vincent d'Indy (compoziție, dirijat) și al lui Maurice Ravel (orchestrație). Se afirmă în 1926 prin obținerea Premiului I la Concursul național de compoziție "George Enescu" (instituit în 1913) cu lucrarea Cvartet de coarde în fa major și se lansează în programele de concert ale Filarmonicii cu Două dansuri pentru suflători, pian și baterie (1927) și Două schițe simfonice (1930), lucrare a cărei valoare de excepție l-a determinat pe George Enescu să o selecteze pentru concertul susținut la Expoziția Internațională de la New York din 1939.

Continuând să exploreze linia deschisă de dipticul Înmormăntare la Pătrunjel și Paparudele (Două schițe simfonice) prin noua abordare tehnică a valorificării filonului folcloric, cu accent pe diversitatea ritmică, suprapunerile politonale și un colorit armonic inedit, Theodor Rogalski compune, două decenii mai târziu, în 1950, suita simfonică Trei dansuri românești, ce constituie un reper al creației școlii românești din epocă.^[2]

Cele două decenii, 1930-1950, în care compoziția a rămas în plan secundar, au fost dedicate de muzician activității dirijorale și edificării unui ansamblu - de la înființarea sa până la nivelul unei orchestre de prestigiu recunoscut unanim - astăzi cu titulatura Orchestra Națională Radio. A fost primul dirijor al orchestrei începând din 1930.^[3]

Bagheta de prim-dirijor i-a fost oferită și la Filarmonica "George Enescu" (1950-1954), în acești ultimi ani ai vieții deținând și postul de profesor de orchestrație la Conservatorul din București.

Dacă lista creațiilor sale este redusă (muzică de cameră pentru pian, pian și vioară, pian și voce, Trei piese pentru violoncel, Două capricii, Trei cântece pe versuri populare pentru soprană și orchestră, Trei balade românești pentru tenor și orchestră și piese simfonice amintite), cea a lucrărilor orchestrate de Rogalski este impresionantă. Talentul și măiestria sa de orchestrator au metamorfozat piese corale, vocale și instrumentale din repertoriul românesc și universal. Versiunea orchestrată a Carnavalului de Schumann datează din 1942 și reunește cea mai diversă paletă de instrumente, de la flautul piccolo la tubă și de la trianglu la harpă. În succesiunea tablourilor, Rogalski se dovedește expert în combinațiile timbrale cele mai sugestive pentru creionarea personajelor iar imaginea de ansamblu este perfect încadrată stilistic prin alegerea procedeelor tehnice specifice scriiturii orchestrale.

În lucrările sale, regăsim muzica simfonică (Frescă antică, Două schițe simfonice, Trei dansuri românești) și vocal-simfonică (balada Iancu Jianu), lucrări de cameră, muzică de film (Viața învinge).

Cronologia operei muzicale

• 1918 - Sonată pentru pian (1921 - mențiunea I a Premiului de compoziție "George Enescu")
• 1919 (?) - Suită pentru pian (1919 - mențiunea a II-a a Premiului de compoziție "George Enescu")
• 1920 - Paysage pentru pian

- Pastorală pentru pian - Berceuse pentru violoncel și pian - Piece pentru violoncel și pian - Historiette pentru violoncel și pian - Minuetto pentru violoncel și pian - Parfum exotique pentru violoncel și pian - Pavanne pentru violoncel și pian - Idylle și Tambourin (Pe motivul "O du lieber Augustin") pentru cvartet de coarde - Liedul Le Silence, pe versuri de CH. Batillot - Orchesterstuck (1923 - premiul al II-lea al Premiului de compoziție "George Enescu") - Opereta Nina

• 1921 - Rondo

- Sonet pentru pian - Aubade pentru pian

• 1922 - Iarna pentru pian

- Romanzetta pentru pian - Suită pentru vioară și pian: Aubade, Interlude, Sonet (1922 - mențiune a Premiului de compoziție "George Enescu") - Andantă dintr-o proiectată Sonată pentru violoncel și pian - Vieille Chanson pentru două viori și violă - Fruhlingsnacht pentru 2 viori și violoncel - Andantino pentru cvartet de coarde - Dans pentru cvartet de coarde - 2 lieduri pentru voce și pian pe versuri de R. Dehmel: Erlengang, Einst im Herbst - 2 lieduri pentru voce și orchestră: lied pe versuri de Heine, fără titlu, Helle Nacht pe versurile lui R. Dehmel

• 1924 - Serenada retrospectivă pentru pian
• 1925 - Baladă pe teme românești pentru vioară și pian

- Bourree pentru violoncel și pian - Canon, pentru vioară, violoncel și pian - Cvartet de coarde (1925 - premiul I al Premiului de compoziție "George Enescu") - Patru "Evocațiuni" pentru soprană: Cântecul Înțeleptului, Cântecul Îndrăgostitului, Cântecul ploii, Cântecul leagănului - Două dansuri pentru suflători, pian și baterie (1927 - mențiune la Veneția) - Baletul frescă antică

• 1929 - Două schițe simfonice: Înmormântare la Pătrunjel, Paparudele

- Muzică de scenă la piesa Don Juan de Victor Eftimiu

• 1930 - Trei piese pentru violoncel
• 1931 (?) - Suită pentru oboi și pian
• 1932 - Două capricii
• 1933 - Trei cântece pe versuri populare pentru soprană și orchestră

- Hora Ciciului - Salcia - Lăzărelul

• 1940 - Trei balade românești pentru tenor și orchestră:

- Iancu Jianu - Mihu Copilul - Toma Alimoș

• 1950 - Suita simfonică Trei dansuri românești
• 1951 - Muzică pentru filmul Viața învinge

? "Trei piese simfonice" "Rondo" "Marș festiv"

TEOFIL NELU PETER

Sari la navigareSari la căutare

Teo Peter
Teo Peter
Date personale
Născut	11 aprilie 1954
Decedat	3 decembrie 2004 (50 de ani)
Cauza decesului	accident rutier[*]
Cetățenie	România
Ocupație	muzician
Activitate
Instrument(e)	chitară
Modifică date / text

Teofil Nelu Peter (cunoscut ca Teo Peter, n. 11 aprilie 1954, Cluj-Napoca, România – d. 4 decembrie 2004, București, România) a fost un muzician rock român, basist și cofondator în 1977, împreună cu Costi Cămărășan, al formației Compact, respectiv fondator în 1988 al formației Compact B (prescurtare pentru Compact București).

Note biografice

Break Group

Cei doi fondatori ai trupei Compact, Teo Peter și Costi Cămărășan, erau prieteni din parcul adolescenței lor, Gheorgheni, din Cluj, „unde zeci de tineri clujeni se adunau, seara, pentru a cânta la chitară. [Acolo] s-au împrietenit și au înființat Break Group, care s-a destrămat după trei ani, odată cu plecarea fiecăruia din ei în armată. ” ^[1]

Fondarea Compact-ului

Prieteni din adolescență, Teo Peter și Costi Cămărășan, au abandonat vechea lor formație, Break Group, constituită înaintea serviciului lor militar, înființând trupa Compact la revenirea lor „la vatră”, în 1977. Succesul a venit într-o formulă inițială de șase (Teo și Costi, care i-au co-optat pe Cornel Moldovan, Marius Luca, Balacs Laszlo și pe un student din Congo, Pascal Goelot, care ulterior, terminând facultatea de Educație Fizică și Sport, a plecat acasă) și apoi de cinci.

Primele succese încep să apară. Astfel, în 1981, trupa originară Compact obține Marele Premiu Perpetuum Vox Transilvania la Mediaș, unde Peter și Cămărășan i-au cunoscut pe Paul Ciuci și pe Aurel "Lențu" Vasilescu, care erau fondatorii și membri trupei Telegraf, din Câmpia Turzii.

După plecarea (în toamna lui 1981) ai celorlalți trei din formula Compact-ului, Peter și Cămărășan îi cooptează pe cei doi muzicieni turdeni, Ciuci și Vasilescu, în echipa trupei Compact, care va rămâne așa până în 1988, când se va produce a triplă sciziune, Ciuci va pleca în Statele Unite ale Americii, Peter va înființa formația Compact B (prescurtare pentru Compact București), iar Cămărășan va rămâne la Cluj, înființând formația Compact C (prescurtare pentru Compact Cluj).

Deces

A decedat tragic pe 4 decembrie 2004, în urma unui accident rutier, taxiul în care se afla fiind lovit de un Ford Expedition condus de Christopher Van Goethem, soldat (pușcaș marin) american de la Ambasada SUA din București aflat în stare de ebrietate.^[2] Înainte de accident, Teo Peter a fost prezent la Sala Polivalentă în calitate de organizator.

MIRELA VOICULESCU FUGARU

Mirela Ioana FUGARU CURRICULUM VITAE Data, locul naşterii: 11.04.1957 – Arad Naţionalitate: română Stare civilă: - casatorită din 1985 cu Cornel Fugaru, născut în Bucureşti la 02.12.1940, de profesie compozitor, membru al UCMR - un copil, Vlad Ioan Fugaru, născut în Bucureşti la 24.05.1987, masterand în Administrarea Afacerilor în Turism la Universitatea Româno-Americană, Bucureşti Limbi străine: engleză, franceză, germană Studii: - absolventă a Liceului “Moise Nicoară” (Ioan Slavici) din Arad - 1976 - absolventă a Facultăţii de Stomatologie din cadrul IMF Timişoara - 1981 (şefă de promoţie - media generală 10). Activitate profesională: - medic primar de stomatologie generală la “Cabinet Medical Individual – dr. Fugaru Mirela Ioana” din cadrul Centrului Medical “Dorobanţi”, Bucureşti. - Membră a Uniunii Naţionale a Asociaţiilor Stomatologice (UNAS) şi a Colegiului Medicilor Dentişti din România Activităţi sociale şi artistice: - între 1978 - 1981- şefa comisiei culturale a Centrului Universitar Timişoara - numeroase premii naţionale şi internaţionale la festivaluri muzicale, în calitate de interpretă şi apoi de textieră - membră a Uniunii Compozitorilor şi Muzicologilor din România - membră a Federaţiei Internaţionale a Organizatorilor de Festivaluri (FIDOF) - membră a Asociaţiei Internaţionale a Festivalurilor şi Artistilor (WAFA) - realizatoare a rubricii “Feţe, feţe” din cadrul emisiunii „Matinal” - 1999 TVR 1 - fondator şi director executiv al Asociaţiei „Steaua de Aur”, în cadrul căreia organizează activităţi sociale, culturale şi caritabile (din 2002) - fondator şi director executiv al Festivalului Internaţional al Cântecului pentru Copii şi Adolescenţi “STEAUA DE AUR”, desemnat de către Adunarea Generala a FIDOF drept cel mai bun festival al anului în 2001, 2002 şi 2003 - membră a Consiliului de Administraţie al SRR din 2002. 

                        ACTIVITATE ARTISTICĂ

            - studiază pianul de la cinci ani;

            - urmează Şcoala Populară de Artă din Arad secţia pian;

            - în anul 1999 realizează şi prezintă rubrica „Fete fete“ din cadrul emisiunii „Matinal” la TVR1

            - din 1992, semnează versuri pentru muzică uşoară;

            - din 2001 este fondator şi organizator, alături de soţul său Cornel Fugaru, al festivalului Internaţional al Cîntecului pentru Copii „Steaua de Aut” (The Golden Star), fiind şi director executiv al festivalului  „The Golden Star”;

          - din 2002 este Director Executiv al Asociaţiei „Steaua de Aur” membru în Consiliu de Administraţie al Societăţii Române din Radiodifuziune, membru al Federaţiei Internaţionale a Organizatorilor de Festivaluri (FIDOF)

 

                         PREMII OBŢINUTE

     

          - în anul 1975 participă la Festivalul „Ritmurile Tinereţii” de la Arad unde interpretează melodia CE VREI SĂ FACI DIN MINE – compozitor Horia Moculescu, unde obţine Premiul I. Acesta reprezintă debutul solistic;

          - în anul 1975 participă la Festivalul de muzică uşoară de la Amara unde obţine Premiul II, şi Premiul I la Festivalul „Floarea de lotus” - Oradea;

          - în anul 1976 participă la Festivalul de muzică uşoară de la Amara unde primeşte Premiul Uniunii compozitorilor şi muzicologilor;

          - între anii 1982-1985 participă la ediţiile Festivalului de muzică uşoară – Mamaia;

          - participă la „Melodii ’82, 83’şi ’84 ”

          - în anul 1983 participă la Festivalul „Intertalent” de la Praga unde obţine premiul special la juriului;

          - în anul 1984 participă la: 
               ♦ Concursul „Melodii ’83’ unde pentru melodia COPII DIN BUCUREȘTI – melodie cîntată împreună cu Grup de copii din Corul Radio – compozitor Dragoș  Rolea, textier George   Țărnea, obține Premiul Publicului
               ♦ Festivalul „Şlagărelor de la Dresda”, ocupă locul II;

          - în anul 1986 participă la Festivalul național de muzică ușoară de la Mamaia unde pentru melodia  DOAR MAREA, interpretată în duet cu CORNEL FUGARU, compozitorul piesei obține marele premiu ;
          - în anul 1987 participă la Concursul TV “Șlagăre în devenire” ediția a XVIII-cea, unde pentru melodia NU PLÎNGE DRAGUL MEU, compozitor: Cornel Fugaru;  verusrile: Dan Dumitriu, obține Premiul Juriului

          - în anii 2001-2002 The Golden Star a fost  declarat de Federaţia Internaţională a organizatorilor de festivaluri „Cel mai bun festival al anului” pentru calitatea organizării, ospitalitatea şi înaltul nivel artistic;
           - obţine o serie de premii pentru versurile scrise la melodii;

 

                          DISCOGRAFIE

          - MIRELA VOICULESCU  - ELECTRECORD  - 1983

                    Sursă:  Alternative  pop dance  - Daniela Caraman Fotea şi Titus Andrei; Editura: Humanitas Educaţional   – 2003