vineri, 14 iunie 2024

MATERIALE SELECȚIONATE PENTRU 15 IUNIE 2024

COMENZI PRODUSE ON LINE:

Încercăm să intrăm în normalitate utilizând ca multe alte țări comerțul on line, dar nu reușim, sau nu vrem să renunțăm la practici învechite prin care, mai cu știință, mai fără ne batem joc de bunele intenții ale cumpărătorilor care întotdeauna sunt de bună credință.

Vecinii se pot bucura pentrucă mi-a murit capra! Am comandat un produs simplu care nu avea tehnicitatea unei nave intergalactice, pe care nu-l pot utiliza, simplu, pentrucă nu mă încape! Ei bine, se poate returna și recupera banii, dar bu toți: transportul până la mine, precum și cel de retur trebuie să le suport eu! Ce vină am eu că vânzătorul nu a clasificat produsele pe dimensiuni? 

Asta este situația! Mai e mult până departe!!!


ISTORIE PE ZILE

Evenimente[modificare | modificare sursă]

Nașteri[modificare | modificare sursă]

Lisa del Giocondo

Decese[modificare | modificare sursă]

Mihai Eminescu

Sărbători[modificare | modificare sursă]




MUZICĂ, PE O ARIPĂ DE CÂNT

EDVARD GRIEG

Edvard Grieg
Născut15 iunie 1843
Bergen , Suedia-Norvegia
Decedat4 septembrie 1907 (64 de ani)
Bergen, Norvegia
Ocupații
  • Compozitor
  • pianist
LucrăriLista compozițiilor
Soție
 
​
( m.  1867 )

Edvard Hagerup Grieg ( / ɡ r iː ɡ / GREEG , norvegiană: [ˈɛ̀dvɑʈ ˈhɑ̀ːɡərʉp ˈɡrɪɡː] ; 15 iunie 1843 – 4 septembrie 1907) a fost un compozitor și pianist norvegian . Este considerat unul dintre cei mai importanți compozitori din epoca romantică , iar muzica sa face parte din repertoriul clasic standard din întreaga lume. Folosirea muzicii populare norvegiene în propriile sale compoziții a adus muzica din Norvegia la faimă, precum și a ajutat la dezvoltarea unei identități naționale , așa cum a făcut Jean Sibelius în Finlanda și Bedřich Smetana în Boemia . [1]

Grieg este cea mai celebră persoană din orașul Bergen , cu numeroase statui care îi înfățișează imaginea și multe entități culturale care îi poartă numele: cea mai mare clădire de concerte din oraș ( Sala Grieg ), cea mai avansată școală de muzică ( Academia Grieg ) și corul său profesionist. (Edvard Grieg Kor). Muzeul Edvard Grieg din fosta casă a lui Grieg, Troldhaugen , este dedicat moștenirii sale. [2] [3] [4] [5]

Fundal [ editare ]

Statuia lui Grieg de Ingebrigt Vik în Bergen
Edvard Grieg (1891), portret de Eilif Peterssen

Edvard Hagerup Grieg s-a născut în Bergen , Norvegia (pe atunci făcea parte din Suedia-Norvegia ). Părinții săi au fost Alexander Grieg (1806–1875), comerciant și viceconsul britanic la Bergen, și Gesine Judithe Hagerup (1814–1875), profesor de muzică și fiica avocatului și politicianului Edvard Hagerup . [6] [7] Numele de familie, scris inițial Greig , este asociat cu clanul scoțian Ghriogair (clanul Gregor) . [8] După bătălia de la Culloden din Scoția din 1746, străbunicul lui Grieg, Alexander Greig (1739-1803), [9] a călătorit mult înainte de a se stabili în Norvegia în jurul anului 1770 și de a stabili interese de afaceri în Bergen. Stră-străbunicii paterni ai lui Grieg, John (1702-1774) și Anne (1704-1784), [10] sunt îngropați în curtea abandonată a ruinei Bisericii Sf. Ethernan din Rathen, Aberdeenshire , Scoția. [11]

Edvard Grieg a fost crescut într-o familie muzicală. Mama lui a fost prima sa profesoară de pian și l-a învățat să cânte la vârsta de șase ani. A studiat în mai multe școli, inclusiv în Școala Gimnazială Tanks . [12]

În vara lui 1858, Grieg l-a întâlnit pe eminentul violonist norvegian Ole Bull , [13] care era un prieten de familie; Fratele lui Bull era căsătorit cu mătușa lui Grieg. [14] Bull a recunoscut talentul băiatului de 15 ani și și-a convins părinții să-l trimită la Conservatorul din Leipzig [13] , al cărui departament de pian era condus de Ignaz Moscheles . [15]

Grieg sa înscris la conservator , concentrându-se pe pian și sa bucurat de numeroasele concerte și recitaluri susținute la Leipzig . Nu-i plăcea disciplina cursului de conservare. O excepție a fost orga , care era obligatorie pentru studenții la pian. Despre studiul său la conservator, el i-a scris biografului său, Aimar Grønvold , în 1881: „Trebuie să recunosc, spre deosebire de Svendsen , că am părăsit Conservatorul din Leipzig la fel de prost cum am intrat în el. Desigur, am învățat ceva acolo, dar individualitatea era încă o carte închisă pentru mine”. [16]

În primăvara anului 1860, a supraviețuit la două boli pulmonare care le-au pus viața în pericol , pleurezie și tuberculoză . De-a lungul vieții sale, sănătatea lui Grieg a fost afectată de un plămân stâng distrus și de o deformare considerabilă a coloanei vertebrale toracice. A suferit de numeroase infecții respiratorii și, în cele din urmă, a dezvoltat insuficiență pulmonară și cardiacă combinată. Grieg a fost internat de multe ori în stațiuni balneare și sanatorie atât în ​​Norvegia, cât și în străinătate. Câțiva dintre medicii săi i-au devenit prieteni. [17]

Cariera [ editează ]

În 1861, Grieg și-a făcut debutul ca pianist concertist la Karlshamn , Suedia. În 1862, și-a terminat studiile la Leipzig și a avut primul său concert în orașul natal, [18] unde programul său a inclus Sonata Pathétique a lui Beethoven .

Grieg și Nina Hagerup (soția și verișoara primară a lui Grieg) în 1899

În 1863, Grieg a plecat la Copenhaga , Danemarca, și a rămas acolo timp de trei ani. I-a cunoscut pe compozitorii danezi JPE Hartmann și Niels Gade . L-a cunoscut și pe colegul său compozitor norvegian Rikard Nordraak (compozitorul imnului național norvegian ), care a devenit un bun prieten și sursă de inspirație. Nordraak a murit în 1866, iar Grieg a compus un marș funerar în cinstea sa. [19]

La 11 iunie 1867, Grieg s-a căsătorit cu verișoara sa primară, Nina Hagerup (1845–1935), o soprană lirică. În anul următor, s-a născut singurul lor copil, Alexandra. Alexandra a murit în 1869 de meningită . În vara anului 1868, Grieg și-a scris Concertul pentru pian în la minor în timp ce se afla în vacanță în Danemarca. Edmund Neupert a susținut concertul în premieră la 3 aprilie 1869 la Teatrul Casino din Copenhaga. Grieg însuși nu a putut fi acolo din cauza angajamentelor în Christiania (acum Oslo). [20]

În 1868, Franz Liszt , care nu-l întâlnise încă pe Grieg, a scris pentru el o mărturie Ministerului Norvegian al Educației, care a dus la obținerea lui Grieg de o bursă de călătorie. Cei doi bărbați s-au întâlnit la Roma în 1870. În timpul primei vizite a lui Grieg, au examinat Sonata nr. 1 pentru vioară a lui Grieg, care l-a mulțumit foarte mult pe Liszt. La a doua vizită din aprilie, Grieg a adus cu el manuscrisul Concertului său pentru pian, pe care Liszt a continuat să-l citească (inclusiv aranjamentul orchestral). Interpretarea lui Liszt a impresionat foarte mult publicul său, deși Grieg i-a spus blând că a jucat prima mișcare prea repede. Liszt i-a dat lui Grieg câteva sfaturi despre orchestrare (de exemplu, să dea melodia temei a doua din prima mișcare unei trompete solo, pe care Grieg însuși a ales să nu o accepte). [21]

În anii 1870, s-a împrietenit cu poetul Bjørnstjerne Bjørnson , care împărtășea interesele sale în autoguvernarea norvegiană. Grieg a pus în muzică câteva dintre poeziile sale, inclusiv Landkjenning și Sigurd Jorsalfar . [22] În cele din urmă, s-au hotărât la o operă bazată pe regele Olav Trygvason, dar o dispută cu privire la faptul dacă muzica sau versurile ar trebui create mai întâi l-a determinat pe Grieg să fie deturnat să lucreze la muzica incidentală pentru piesa lui Henrik Ibsen Peer Gynt , care l-a jignit firesc pe Bjørnson. În cele din urmă, prietenia lor s-a reluat. [23]

Muzica ocazională compusă pentru Peer Gynt la cererea autorului a contribuit la succesul acesteia și, separat, a devenit una dintre cele mai cunoscute muzică ale compozitorului, aranjate ca suite orchestrale.

Grieg a avut legături strânse cu Orchestra Filarmonicii din Bergen (Harmonien), iar mai târziu a devenit director muzical al orchestrei din 1880 până în 1882. În 1888, Grieg l-a întâlnit pe Ceaikovski la Leipzig. Grieg a fost impresionat de Ceaikovski [24], care a apreciat foarte bine muzica lui Grieg, lăudându-i frumusețea, originalitatea și căldura. [25]

La 6 decembrie 1897, Grieg și soția sa au interpretat o parte din muzica lui la un concert privat la Castelul Windsor pentru Regina Victoria și curtea ei. [26]

Grieg a primit două doctorate onorifice, primul de la Universitatea din Cambridge în 1894 și următorul de la Universitatea din Oxford în 1906. [27]

Anii următori [ editare ]

Muzeul Edvard Grieg din Troldhaugen

Guvernul norvegian ia oferit lui Grieg o pensie când acesta a împlinit vârsta de pensionare. În primăvara anului 1903, Grieg a realizat nouă înregistrări cu gramofon de 78 de rpm ale muzicii sale pentru pian la Paris. Toate aceste discuri au fost reeditate atât pe LP-uri, cât și pe CD-uri, în ciuda fidelității limitate. Grieg a înregistrat role de muzică de pian pentru cântăreț pentru sistemul Hupfeld Phonola și pentru sistemul de reproducere Welte-Mignon , toate supraviețuind și pot fi auzite astăzi. De asemenea, a lucrat cu compania Aeolian pentru seria sa de rulouri de pian „Autograph Metrostyle”, în care a indicat maparea tempo-ului pentru multe dintre piesele sale.

În 1899, Grieg și-a anulat concertele din Franța în semn de protest față de afacerea Dreyfus , un scandal antisemit care tulbura politica franceză la acea vreme. Cu privire la acest scandal, Grieg scrisese că speră că francezii vor putea, „în curând să revină la spiritul anului 1789, când republica franceză a declarat că va apăra drepturile fundamentale ale omului”. Ca urmare a declarațiilor sale cu privire la afacere, el a devenit ținta multor corespondențe de ură franceze în acea zi. [28] [29]

În 1906, l-a întâlnit la Londra pe compozitorul și pianistul Percy Grainger . Grainger a fost un mare admirator al muzicii lui Grieg și s-a stabilit rapid o empatie puternică. Într-un interviu din 1907, Grieg a declarat: „Am scris Dansuri țărănești norvegiene pe care nimeni în țara mea nu le poate cânta, și iată că vine acest australian care le cântă așa cum ar trebui să fie jucate! Este un geniu pe care noi, scandinavii, nu putem face altceva decât dragoste." [30]

Edvard Grieg a murit la Spitalul Municipal din Bergen, Norvegia, la 4 septembrie 1907, la vârsta de 64 de ani, din cauza insuficienței cardiace . A suferit o lungă perioadă de boală. Ultimele sale cuvinte au fost „Ei bine, dacă trebuie să fie așa”. [31]

Înmormântarea a atras între 30.000 și 40.000 de oameni pe străzile orașului natal pentru a-l onora. Ascultându-i dorința, propriul său Marș funerar în memoria lui Rikard Nordraak a fost interpretat cu orchestrație de prietenul său Johan Halvorsen , care se căsătorise cu nepoata lui Grieg. În plus, a fost interpretată mișcarea Marșului funerar din Sonata nr. 2 pentru pian a lui Chopin . Grieg a fost incinerat în primul crematoriu norvegian deschis la Bergen tocmai în acel an, iar cenușa lui a fost îngropată într-o criptă de munte din apropierea casei sale, Troldhaugen. După moartea soției sale, cenușa ei a fost pusă alături de a lui. [6]

Edvard Grieg și soția sa erau unitarieni , iar Nina a participat la biserica unitariană din Copenhaga după moartea sa. [32] [33]

La un secol de la moartea sa, moștenirea lui Grieg se extinde dincolo de domeniul muzicii. Există o sculptură mare a lui Grieg în Seattle , în timp ce unul dintre cele mai mari hoteluri din Bergen (orașul său natal) se numește Quality Hotel Edvard Grieg, iar un crater mare de pe planeta Mercur poartă numele lui Grieg.

Muzică [ editare ]

Unele dintre lucrările timpurii ale lui Grieg includ o simfonie (pe care a suprimat-o mai târziu) și o sonată pentru pian . A scris trei sonate pentru vioară și o sonată pentru violoncel . [6]

Concert în la minor: 1. Allegro molto moderato
Durata: 12 minute și 44 de secunde.
Interpretat de Universitatea din Washington Symphony, dirijat de Peter Erős (Neal O'Doan, pian)
Concert în la minor: 2. Adagio
Durata: 6 minute și 31 de secunde.
Interpretat de Universitatea din Washington Symphony, dirijat de Peter Erős (Neal O'Doan, pian)
Concert în la minor: 3. Allegro moderato molto e marcato
Durata: 10 minute și 16 secunde.
Interpretat de Universitatea din Washington Symphony, dirijat de Peter Erős (Neal O'Doan, pian)
Notturno , Op. 54, nr. 4
Durata: 4 minute și 22 de secunde.
Interpretat live de Mark Gasser
Grieg își joacă Fluturele.
Durata: 2 minute si 2 secunde.
Inregistrat in 1906
Grieg își joacă ziua nunții.
Durata: 2 minute si 2 secunde.
Inregistrat in 1903
Probleme la redarea acestor fișiere? Consultați ajutorul media .

Grieg a compus muzica incidentală pentru piesa lui Henrik Ibsen Peer Gynt , care include fragmentele „ În Sala Regelui Muntelui ” și „ Dispoziția dimineții ”. Într-o scrisoare din 1874 către prietenul său Frants Beyer , Grieg și-a exprimat nefericirea față de „Dansul fiicei regelui muntelui”, una dintre mișcările din muzica incidentală Peer Gynt , scriind „Am scris și eu ceva pentru scena din sala de teatru”. Regele muntelui – ceva pe care literalmente nu pot suporta să ascult, deoarece miroase absolut a plăcinte, naționalism norvegian exagerat și mulțumire de sine, dar am bănuiala că ironia va fi vizibilă”. [34]

Suita Holberg a lui Grieg a fost scrisă inițial pentru pian, iar ulterior aranjată de compozitor pentru orchestră de coarde . Grieg a scris cântece în care a stabilit versuri ale poeților Heinrich Heine , Johann Wolfgang von Goethe , Henrik Ibsen, Hans Christian Andersen , Rudyard Kipling și alții. Compozitorul rus Nikolai Myaskovsky a folosit o temă de Grieg pentru variațiile cu care și-a încheiat al treilea cvartet de coarde. Pianista norvegiană Eva Knardahl a înregistrat muzica de pian completă a compozitorului pe 13 LP-uri pentru BIS Records din 1977 până în 1980. Înregistrările au fost reeditate în 2006 pe 12 discuri compacte, tot pe BIS Records . Grieg însuși a înregistrat multe dintre aceste lucrări pentru pian înainte de moartea sa în 1907. Pianistul Bertha Tapper a editat lucrările pentru pian ale lui Grieg pentru a fi publicate în America de Oliver Ditson. [35]

Lista lucrărilor selectate [ editare ]

Articolul principal: Lista compozițiilor lui Edvard Grieg


ERROL GARNER
Erroll Garner
Garner c. 1947
Garner c.  1947
Informații generale
Numele de naștereErroll Louis Garner
Născut15 iunie 1921
Pittsburgh , Pennsylvania, SUA
Decedat2 ianuarie 1977 (55 de ani)
Los Angeles , California, SUA
genuriJazz
Ocupație(e)
  • Muzician
  • compozitor
Instrument(e)Pian
ani activi1944–1974
Etichete

Erroll Louis Garner (15 iunie 1921 – 2 ianuarie 1977) [1] [2] [3] a fost un pianist și compozitor american de jazz cunoscut pentru jocul swing și baladele sale. Balada sa instrumentală „ Misty ”, cea mai cunoscută compoziție a sa, a devenit un standard de jazz . A fost înregistrat pentru prima dată în 1956 cu Mitch Miller și orchestra sa și a jucat un rol important în filmul din 1971 Play Misty for Me . [4]

Scott Yanow de la Allmusic îl numește „unul dintre cei mai distinctivi dintre toți pianiștii” și un „virtuoz genial”. [5] Garner a primit o stea pe Hollywood Walk of Fame la 6363 Hollywood Boulevard. Albumul său live Concert by the Sea [6] , lansat pentru prima dată în 1955, a vândut peste 1 milion de exemplare până în 1958, iar opinia lui Yanow despre album este că „a făcut o impresie atât de puternică că Garner a fost considerat nemuritor de atunci încolo”. [7]

Viață și carieră [ editare ]

Garner s-a născut, împreună cu fratele geamăn Ernest, în Pittsburgh, Pennsylvania, pe 15 iunie 1921, [8] [9] [10] [11] cel mai mic dintre șase copii. [12] A urmat liceul George Westinghouse (la fel ca și colegii pianiști Billy Strayhorn și Ahmad Jamal ). Interviuri cu familia sa, profesori de muzică, alți muzicieni și un arbore genealogic detaliat pot fi găsite în Erroll Garner: The Most Happy Piano de James M. Doran. [1]

Cariera la pian [ editare ]

Erroll Garner în timpul vizitei sale la Helsinki, Finlanda, în noiembrie 1964

Garner a început să cânte la pian la vârsta de trei ani. Frații săi mai mari au fost învățați cu pian de către o „domnișoară Bowman”. De la o vârstă fragedă, Erroll s-a așezat și a jucat orice demonstrase ea, „la fel ca domnișoara Bowman”, a spus sora lui mai mare, Martha. [1] Garner a fost autodidact și a rămas un „ear player” toată viața, fără să învețe niciodată să citească muzică. [10] La vârsta de 7 ani, a început să apară la postul de radio KDKA din Pittsburgh cu un grup numit Candy Kids. Până la vârsta de 11 ani, se juca pe bărcile fluviale Allegheny. În 1937 s-a alăturat saxofonistului local Leroy Brown .

A cântat la nivel local în umbra lui Linton Garner , fratele său mai mare, și el pianist.

Garner s-a mutat la New York în 1944. [12] A lucrat pentru scurt timp cu basistul Slam Stewart și, deși nu era un muzician bebop în sine, în 1947 a cântat cu Charlie Parker la sesiunea „Cool Blues”. Deși admiterea lui la uniunea muzicală din Pittsburgh a fost inițial refuzată din cauza incapacității sale de a citi muzică, sindicatul a cedat în 1956 și l-a făcut membru de onoare. [10] Garner este creditat cu o memorie muzicală superbă. După ce a participat la un concert al pianistului clasic rus Emil Gilels , Garner s-a întors în apartamentul său și a putut să cânte o mare parte din muzica interpretată de memorie. [10]

Procesul Columbia Records [ editează ]

Garner a dat în judecată Columbia Records în 1960 pentru încălcarea contractului, după ce Columbia a lansat mai multe înregistrări fără acordul lui Garner. Garner semnase un contract de cinci ani cu Columbia în 1956, care conținea o clauză fără precedent (negociată cu ajutorul managerului Martha Glaser) care îi dădea lui Garner dreptul de a aproba lansarea oricărei muzicii sale înregistrate. După trei ani de litigii, timp în care Columbia a continuat să elibereze înregistrările lui Garner împotriva voinței sale, Curtea Supremă a statului New York i-a hotărât în ​​favoarea lui Garner într-o decizie importantă cu privire la drepturile artistului, iar Columbia ia plătit lui Garner un acord substanțial și a rechemat toate înregistrările neautorizate de la distribuitorii săi. [13]

Martha Glaser [ editează ]

Garner a fost condus de Martha Glaser din 1950 până la moartea sa în 1977, [14] cu o perioadă din acest timp ca singurul ei client. [15]

Moartea [ editare ]

Garner a murit în urma unui stop cardiac legat de emfizem la 2 ianuarie 1977, la vârsta de 55 de ani. [10] El este înmormântat în cimitirul Homewood din Pittsburgh .

Stilul de joc [ editare ]

Scurt în statură (5 picioare 2 inci [157 cm]), Garner a jucat stând pe mai multe agende telefonice. [10] [16] El a fost, de asemenea, cunoscut pentru vocalizările sale în timp ce cânta, care pot fi auzite în multe dintre înregistrările sale. El a ajutat la reducerea decalajului pentru muzicienii de jazz dintre cluburile de noapte și sala de concerte.

Numit „unul dintre cei mai distinctivi dintre toți pianiștii” de Scott Yanow, Garner a arătat că „un muzician de jazz creativ poate fi foarte popular fără a-și dilua muzica” sau a-și schimba stilul personal. [5] El a fost descris ca un „virtuoz genial care suna diferit de oricine altcineva”, folosind o „abordare orchestrală direct din epoca swing-ului, dar... deschisă la inovațiile bop-ului”. [5] Stilul său distinctiv ar putea varia ca nimeni altul, dar unele dintre cele mai bune înregistrări ale sale sunt balade, cum ar fi cea mai cunoscută compoziție a sa, " Misty ", care a devenit rapid un standard de jazz - și a fost prezentată în filmul lui Clint Eastwood Play Misty for Me (1971).

Garner s-ar putea să fi fost inspirat de exemplul lui Earl Hines , un coleg rezident din Pittsburgh, care era cu 18 ani mai mare decât el, și au existat asemănări în abordarea lor elastică a sincronizarii și utilizarea octavelor din dreapta. Primele înregistrări ale lui Garner arată influența stilului de pian stride al lui James P. Johnson și Fats Waller . Improvizațiile melodice ale lui Garner au rămas în general aproape de temă, în timp ce au folosit voci de acorduri noi și alte dispozitive. El a dezvoltat un stil de semnătură care i-a implicat mâna dreaptă cântând ușor în spatele ritmului, în timp ce stânga a zgâriat un ritm constant și punctuație, creând o calitate lipsită de griji și, în același timp, o tensiune ritmică incitantă. De asemenea, ar spori efectul prin accelerarea și decelerarea bătăii din mâna dreaptă, un dispozitiv poreclit „Dragonul rus” (grabă și târă). Independența mâinilor sale a fost evidențiată și prin folosirea sa magistrală a poliritmurilor trei contra patru și mai complicate între mâini. În setările de trio, el a cântat adesea modelul ritmic son clave 3:2 în acordurile din mâna stângă pe melodii latine, iar pe melodiile swing, a cântat modelul ritmic similar 12/8 Rhumba clave. Garner a improvizat frecvent introduceri capricioase – deseori în contrast puternic cu restul melodiei – care i-au lăsat pe ascultători și chiar pe colegii trupei în suspans cu privire la ceea ce va fi piesa sau când se va termina introducerea.

Basistul Ray Brown l-a numit pe Garner „The Happy Man”. Pianistul Ross Tompkins a descris caracterul distinctiv al lui Garner ca fiind datorat „fericirii”. [15]

Lucrari [ edit ]

Primele înregistrări ale lui Garner au fost făcute la sfârșitul anului 1944 la apartamentul lui Timme Rosenkrantz ; [17] acestea au fost ulterior lansate ca seria de cinci volume Overture to Dawn pe Blue Note Records . Cariera sa de înregistrări a avansat la sfârșitul anilor 1940, când au fost tăiate mai multe părți precum „ Fine and Dandy ”, „ Skylark ” și „ Summertime ”. Albumul său live din 1955, Concert by the Sea, a fost cel mai bine vândut album de jazz la vremea sa și îi prezintă pe Eddie Calhoun la bas și Denzil Best la tobe. Această înregistrare a unui spectacol la Sunset Center , o fostă școală din Carmel-by-the-Sea, California , a fost realizată folosind un echipament de sunet relativ primitiv, dar pentru George Avakian , decizia de a lansa înregistrarea a fost ușoară.

În 1954, Garner a compus „Misty”, înregistrându-l pentru prima dată în 1955 pentru albumul Contrasts . Versurile au fost adăugate ulterior de Johnny Burke . „Misty” a devenit rapid popular, atât ca standard de jazz, cât și ca melodie semnătură a lui Johnny Mathis . A fost înregistrată și de Ella Fitzgerald , Frank Sinatra , Sarah Vaughan , Ray Stevens și Aretha Franklin .

One World Concert a fost înregistrat la Târgul Mondial de la Seattle din 1962 (și în 1959 s-a întins în studiouri) și îi prezintă pe Eddie Calhoun la bas și Kelly Martin la tobe. [18] Alte lucrări includ Long Ago and Far Away din 1951 , Erroll Garner at the Piano din 1953cu Wyatt Ruther și Fats Heard, [19] The Most Happy Piano din 1957 , Feeling Is Believing din 1970 și Magicianul din 1974, la care cântă un număr de Garner. standardele clasice. Adesea, trio-ul a fost extins pentru a adăuga percuție latină, de obicei o conga.

În 1964, Garner a apărut în Marea Britanie în seria muzicală Jazz 625 difuzată de BBC Two. Programul a fost găzduit de Steve Race , care a prezentat trio-ul lui Garner cu Eddie Calhoun la bas și Kelly Martin la tobe. [20]

Pentru că Garner nu putea să-și noteze ideile muzicale, obișnuia să le înregistreze pe bandă, pentru a fi ulterior transcrise de alții. [21]

Clubul Erroll Garner a fost fondat în 1982 în Aberlady, Scoția. Pe 26 septembrie 1992, Garnerphiles din Anglia, Scoția, Germania și SUA s-au întâlnit la Londra pentru o întâlnire unică și istorică. Invitații de onoare au fost Eddie Calhoun (basist) și Kelly Martin (toboșar), secțiunea ritmică a lui Garner de la mijlocul anilor 1950 până la mijlocul anilor 1960. Pe 15 iunie 1996, mulți dintre Garnerphiles din Marea Britanie s-au întâlnit la Cheltenham pentru o după-amiază de muzică, mâncare și distracție, în ceea ce ar fi fost ziua de 75 de ani a lui Garner. În acea seară, au aflat de moartea legendei jazzului Ella Fitzgerald . [22]

Arhivă și material nou descoperit [ editează ]

O expoziție la Universitatea din Pittsburgh William Pitt Union din Arhivele Erroll Garner

În 2012, Atticus Brady a lansat un film despre Garner intitulat Nimeni nu te poate auzi , pe care Garner obișnuia să spună când a fost întrebat de ce nu a învățat niciodată să citească muzică. Filmările cu minunea pianului cântând și vorbind au fost întrerupte cu interviuri: cu admiratori (inclusiv Woody Allen , Steve Allen și colegii săi muzicieni Ahmad Jamal , tot din Pittsburgh și Ernest McCarty , basistul său de mulți ani); cu membrii familiei, inclusiv cu sora lui mare Ruth Garner Moore și fiica Kim Garner; cu George Avakian , producătorul Concert by the Sea ; și cu Jim Doran biograful său. Filmul încearcă să abordeze căderea lui Garner din proeminență după moartea sa, amintindu-le spectatorilor cât de popular și original a fost în zilele sale, precum și de ce este considerat în multe privințe o legendă, unul dintre adevărații mari ai jazz-ului.

Pe 15 iunie 2015, moșia lui Martha Glaser , managerul de multă vreme al Garner, a anunțat formarea Erroll Garner Jazz Project, o nouă celebrare majoră de arhivă și muzicală a lui Garner. Proiectul include donarea Arhivei Erroll Garner – un tesav imens de material istoric nou descoperit din viața lui Garner – către Universitatea din Pittsburgh. [23] [24]

Pe 18 septembrie 2015, Concert by the Sea a fost relansat de Sony Legacy într-o ediție extinsă, cu trei CD-uri, care adaugă 11 piese nelansate anterior.

Pe 30 septembrie 2016, Ready Take One a fost lansat pe Sony Legacy/Octave, cu 14 piese nelansate anterior. [25]

Pe 13 iulie 2018, Mack Avenue Records a lansat o înregistrare live cu Garner cântând în 1964 la Concertgebouw din Olanda, cu titlul Nightconcert. [26]

În noiembrie 2021, Garner a fost prezentat postum în „All Night Parking” cu Adele pe cel de-al patrulea album de studio al acestuia din urmă .

Drepturi de publicare [ editare ]

În 2016, Downtown Music Publishing a încheiat un acord de administrare exclusiv la nivel mondial cu Octave Music Publishing Corp. Acordul acoperă toate lucrările lui Garner, inclusiv „ Misty ”, precum și arhiva extinsă de înregistrări principale a lui Garner, dintre care multe rămân nelansate. [27]

Discografie [ editare ]

  • Penthouse Serenade (1945–1949), Savoy MG12002
  • Serenade To Laura (1945–1949), Savoy MG12003
  • Giants of the Piano (album împărțit cu Art Tatum ) (înregistrări de la Hollywood din 1947 cu Red Callender , Hal West ), Roost 2213; Vogue LAE 12209
  • Early in Paris (1948), Blue Music Group
  • Back To Back (album împărțit cu Billy Taylor ) (1949), Savoy MG12008
  • Erroll Garner (august 1949) (înregistrări din Los Angeles cu John Simmons , Alvin Stoller ), (2 volume: Joker BM 3718 și BM 3719)
  • The Greatest Garner (1949–1950), Atlantic 1227
  • Piano Moods (1950), Columbia CL6139 [10"]
  • Gems (1951), Columbia CL6173 [10"]; (1954); Columbia CL583 [12"]
  • Solo Flight (1952), Columbia CL6209 [10"]; Philips B 07602 R [10"]
  • Piese pentru dans (1953), Columbia CL6259 [10"]; (1956) Columbia CL667 [12"]
  • Erroll Garner (La pian) (1953) (cu Wyatt Ruther , Fats Heard ), Columbia CL535; Philips B 07015 L; reeditare: CBS [UK] 62 311
  • Gone With Garner (1954), EmArcy MG26042
  • Garnering (1954), EmArcy MG36026
  • Mambo Moves Garner (1954), Mercury MG20055
  • Contraste (1954), EmArcy MG36001
  • Erroll! (Errol Garner In The Land of Hi-Fi) (1954–1955), EmArcy MG36069
  • Joacă Misty (1954–1955), Mercury MG20662
  • Solitaire (1955), Mercury MG20063
  • După-amiaza unui elf (1955), Mercury MG20090
  • Gone Garner Gonest (1955), Columbia CL617
  • Music for Tired Lovers , cu Woody Herman cântând (!) (1955), Columbia CL651
  • Concert by the Sea (19 septembrie 1955), Columbia CL883; lansat mai târziu într-o versiune extinsă de trei CD-uri The Complete Concert by the Sea (2015)
  • Garnerland (1955), Columbia CL2540 [10"] lansat în seria „House Party Series” de la Columbia
  • El este aici! El a plecat! El este Garner! (1956), Columbia CL2606 [10"] lansată în seria „House Party Series” de la Columbia
  • După miezul nopții (1956), Columbia CL-834
  • The Most Happy Piano (1957), Columbia CL939 [Reeditare italiană CBS, Il magico pianoforte di Erroll Garner , CBS Serie Rubino 52065, 1967]
  • Other Voices , cu Mitch Miller și orchestră (1957), Columbia CL1014
  • Solilocv (1957), Columbia CL1060
  • Înregistrări în Hi-Fi (1958), Columbia CL1141
  • Paris Impressions, Vol. 1 (1958), Columbia CL1212
  • Paris Impressions, Vol. 2 (1958), Columbia CL1213
  • Singurul Erroll Garner (1960), Columbia C1452
  • Swinging Solos (1960), Columbia CL1512
  • The Provocative Erroll Garner (1961), Columbia CL1587
  • Dreamstreet (1961), ABC-Paramount 365
  • Prim-plan în Swing (1961), ABC-Paramount 395
  • Informal Piano Improvisations (1962), Baronet B-109
  • One World Concert (1963), Reprise R9-6080
  • A New Kind of Love: Erroll Garner cu Full Orchestra, Dirijat de Leith Stevens (1963), Mercury SR-60859; Phillips BL 7595
  • Domnul Erroll Garner și Maxwell Davis Trio (1964), Crown CLP-5404
  • Serenade in Blue (1964), Clarion 610 [28]
  • Concert la Amsterdam (7 noiembrie 1964), Philips BL 7717; Philips 632 204 BL
  • Erroll Garner joacă (1965), Ember FA 2011
  • Se joacă acum: O noapte la cinema (1965), MGM SE-4335
  • Concert de campus (1966), MGM SE-4361
  • That's My Kick (1967), MGM SE-4463
  • Sus în camera lui Erroll (Featuring „The Brass Bed”) (1968), MGM SE-4520; Pye International NSPL.28123
  • Feeling is Believing (1970), Mercury SR-61308
  • Gemeni (1972), Londra XPS-617
  • Magician (1974), Londra APS-640
  • Joacă-l din nou, Erroll! (1975), Columbia PG-33424 (album dublu)
  • The Elf: The Savoy Sessions (1976), Savoy SJL-2207 (album dublu)
  • Erroll Garner joacă Gershwin & Kern (1976), Polydor [Fr] 2445 030; (1985), EmArcy 826 224
  • Ieri (1978), Savoy SJL-1118
  • Demult și departe (1987), Columbia CK-40863
  • Corp și suflet (1991), Columbia CK-47035
  • Erroll Garner's Finest Hour (2003) Verve 589 775
  • The Complete Concert by the Sea (2015), Columbia/ Legacy 888751208421 (set de 3 CD-uri)
  • The Real...Erroll Garner (The Ultimate Collection) (2016), Sony Music 889853056323 (set de 3 CD-uri)
  • Ready Take One (2016), Octave Music/Legacy 889853633128
  • Nightconcert (2018), Mack Avenue
  • „All Night Parking” (2021), Columbia/[Melted Stone], Adele ( 30 )

Viața personală [ editare ]

Garner nu s-a căsătorit, dar a avut o fiică, Kim Garner, care este intervievată în No One Can Hear You Read . [15]



JOHNNY HALLYDAY

Johnny Hallyday
Hallyday a cântat la Milano în 1973
Născut
Jean-Philippe Léo Smet

15 iunie 1943
Paris , Franta
Decedat5 decembrie 2017 (în vârstă de 74 de ani)
Marnes-la-Coquette , Franța
Loc de odihnăLorient , Saint Barthélemy , cimitirul bisericii parohiale
Ocupații
  • Cântăreț compozitor
  • muzician
  • actor
Soții
​
​
( m.  1965; div.  1980 )
Babeth Étienne
​
​
( m.  1981; div.  1982 )
Adeline Blondieau
​
​
( m.  1990; div.  1992 )
​
​
( m.  1994; div.  1995 )
Laeticia Boudou
 
​
( m.  1996 ).
Parteneri
  • Sabina (1981)
  • Nathalie Baye (1982–1986)
  • Gisèle Galante (1987–1988)
  • Leah (1988–1989)
Copii4 (inclusiv David și Laura )
Cariera muzicala
genuri
Instrument(e)
  • Voce
  • pian
  • chitară
ani activi1955–2017
Etichete
Site-ul webjohnnyhallyday .com

Jean-Philippe Léo Smet ( pronunția franceză: [ʒɑ̃ filip leo smɛt] ; 15 iunie 1943 – 5 decembrie 2017), mai cunoscut sub numele său de scenă Johnny Hallyday , a fost un cântăreț și actor francez de rock and roll și pop , creditat pentru că a adus rock and roll în Franța. [1] [2] [3]

Pe parcursul unei cariere de 57 de ani, a lansat 79 de albume și a vândut peste 110 milioane de discuri în întreaga lume, [4] [5] în principal în lumea francofonă, făcându-l unul dintre cei mai bine vânduți artiști din lume . [6] A avut cinci albume cu diamante , 40 de albume de aur , 22 de albume de platină și a câștigat zece Victoires de la Musique . [7] A cântat aproximativ 1.154 de cântece și a interpretat 540 de duete cu 187 de artiști. [8] Creditat pentru vocea sa puternică și spectacolele sale spectaculoase, el a ajuns uneori intrând pe un stadion prin mulțime și o dată sărind dintr-un elicopter deasupra Stade de France , unde a jucat de 9 ori. Dintre cele 3.257 de spectacole finalizate în 187 de turnee, cele mai memorabile au fost la Parc des Princes în 1993, la Stade de France în 1998, imediat după victoria Franței în Cupa Mondială FIFA 1998 , precum și la Turnul Eiffel în 2000, care a avut un record de vânzări de bilete pentru un artist francez. [ citare necesară ] Un milion de spectatori s-au adunat pentru a-i vedea spectacolul la Turnul Eiffel, cu aproximativ 10 milioane vizionați la televizor.

Lucrând de obicei cu cei mai buni artiști și muzicieni francezi ai timpului său, a colaborat cu Charles Aznavour , Michel Berger și Jean-Jacques Goldman . Foarte popular în Franța, el a fost numit pur și simplu „Johnny” și văzut ca un „monument național” [ necesită citare ] și o parte a moștenirii culturale franceze . El a fost un simbol al Trente Glorieuses când a apărut în 1960 și o figură familiară pentru patru generații. Peste 2.500 de coperți de reviste și 190 de cărți i-au fost dedicate în timpul vieții, făcându-l unul dintre cei mai mediatizați de mass-media din Franța. Moartea sa de cancer în 2017 a fost urmată de un „omagiu popular” în timpul căruia un milion de oameni au participat la procesiune și alte 15 milioane au urmărit ceremonia la televizor. A rămas relativ necunoscut în lumea de limbă engleză, unde a fost supranumit „cel mai mare star rock despre care nu ai auzit niciodată” și prezentat ca versiunea franceză a lui Elvis Presley . [9]

Viața timpurie [ editare ]

Jean-Philippe Smet s-a născut în arondismentul 9 al Parisului la 15 iunie 1943 dintr-un tată belgian, Léon Smet, [10] și dintr-o mamă franceză, Huguette Eugénie Pierrette Clerc. Léon Smet, care lucra ca artist de club de noapte, și-a părăsit soția și fiul câteva luni mai târziu. Clerc a început o carieră de model, care a lăsat-o cu puțin timp să aibă grijă de fiul ei. [11] Hallyday a crescut cu mătușa sa, Hélène Mar, [12] și și-a luat numele de scenă de la un văr-în-lege din Oklahoma (Lemoine Ketcham), care a cântat în rolul Lee Halliday . Acesta din urmă l-a numit pe Smet „Johnny” și a devenit o figură paternă, introducându-l în muzica americană. [13]

Cariera [ editează ]

Hallyday a cântat în 1963
Hallyday a cântat în 1965
Hallyday cu trupa sa în turneu în 1978

Influențat de Elvis Presley și de revoluția rock n' roll din anii 1950 , Hallyday a devenit cunoscută pentru cântatul rock 'n' roll în franceză. Single-ul său de debut, „T'aimer follement” („Te iubesc la nebunie”), o adaptare franceză a hit-ului controversat al lui Floyd Robinson din 1959 „ Makin’ Love ”, care a fost și un hit pentru Dalida cu o lună înainte, a fost lansat pe eticheta Vogue. în martie 1960. [14] Albumul său de debut, Hello Johnny , a fost lansat mai târziu în acel an. [15] În 1961, coperta sa în limba franceză din „ Let's Twist Again ”, „ Viens Danser Le Twist ”, s-a vândut în peste un milion de exemplare și a primit un disc de aur . [16] A ajuns pe primul loc în aproape toate topurile europene, deși piesa nu a apărut în UK Singles Chart . [17] El a apărut în emisiunea americană The Ed Sullivan Show cu starul cântărețului american Connie Francis într-un spectacol care a fost înregistrat la clubul de noapte Moulin Rouge din Paris. A organizat multe apariții la Olympia de la Paris sub conducerea lui Bruno Coquatrix . Pentru primul lor concert, The Jimi Hendrix Experience s-a deschis pentru Johnny Hallyday în Nancy pe 14 octombrie 1966. Există filmări din octombrie 1966 cu Hallyday petrecând cu Hendrix, managerul său Chas Chandler și alții. [18] De asemenea, a socializat cu Keith Richards și Bob Dylan . [19]

La sfârșitul anilor 1960, Hallyday a realizat un șir de albume cu Mick Jones [20] și Tommy Brown din Foreigner ca directori muzicali, iar Big Jim Sullivan , Bobby Graham și Jimmy Page ca muzicieni de sesiune. Acestea sunt Jeune homme , Rivière... Ouvre ton lit (cunoscută și sub numele de Je suis né dans la rue ) și Vie . La Je suis né dans la rue , Hallyday l-a angajat atât pe Peter Frampton , cât și pe The Small Faces și toți cântă pe majoritatea melodiilor de pe album. Steve Marriott și Ronnie Lane de la Small Faces au contribuit la album cu compozițiile lor „Amen (Bang Bang)”, „Reclamation (News Report)” și „Regarde pour moi (What You Will)”. „Amen” este o variație în limba franceză a „That Man”, o melodie lansată anterior din 1967 de Small Faces, interpretată într-un stil heavy rock. Tensiunile dintre Small Faces în timpul sesiunilor de înregistrare au făcut ca Marriott să părăsească trupa și să formeze Humble Pie cu Frampton, iar versiunile în limba engleză ale „Reclamation (News Report)” și „Regarde pour moi (What You Will)” au apărut pe Humble. LP-ul de debut al lui Pie din 1969. Adeseori uitat este single-ul non-LP al lui Hallyday și piesa EP " Que je t'aime " din aceleași sesiuni. [21] Numai în 1969, vânzările sale record au depășit douăsprezece milioane de unități. [16]

Unul dintre concertele de mai târziu ale lui Hallyday, 100% Johnny: Live à la tour Eiffel în 2000, a atras o audiență de 500.000 și 9,5 milioane de telespectatori (emisiunea a fost transmisă în direct la TV franceză). [22] În decembrie 2005, Hallyday a avut al treilea single numărul unu în topul francez de single-uri SNEP de la înființarea sa în 1984, [23] „ Mon plus beau Noël ” (după „ Tou ensemble ” și „ Marie ”), dedicat fiica lui adoptivă Jade. [24] Cu puțin timp înainte de a-și anunța retragerea din turnee în 2007, el a lansat un album cu aromă de blues, Le Cœur d'un homme . Pe lângă single-ul principal „Always”, Le Cœur d'un homme prezintă „T'aimer si mal”, un duet cu muzicianul de blues Taj Mahal și „I Am the Blues”, o melodie în limba engleză (neobișnuit pentru Hallyday) scris de solistul trupei U2 , Bono . [25] Următorul său album, Ça ne finira jamais , lansat în 2008, [26] un alt nr. 1 în topul albumelor franceze, iar single-ul său principal, " Ça n'finira jamais ", a ajuns, de asemenea, pe locul 1. [27] ] Albumul lui Hallyday Tour 66: Stade de France 2009 a fost un set live înregistrat la Stade de France în timpul turneului său de adio. [28] În 2011, Hallyday a lansat albumul Jamais seul , înregistrat cu Matthieu Chedid, și a început din nou să facă turnee. În 2012 a susținut concerte în diferite țări, inclusiv în Rusia, și a lansat albumul L'Attente . Ulterior, Hallyday a lansat două albume live, On Stage și Born Rocker Tour (o înregistrare a concertelor sale aniversare de 70 de ani la Bercy și Theatre de Paris). Albumele numite Rester Vivant și De L'Amour au fost lansate în 2014, respectiv 2015. În 2015–2016, Hallyday a avut turneul Rester Vivant . Un concert la Bruxelles a fost lansat ca album live în 2016.

Viața personală [ editare ]

Căsătorii și copiii [ editează ]

Hallyday a fost căsătorită de cinci ori, inclusiv de două ori cu aceeași femeie, primele patru căsătorii s-au încheiat cu divorț. Ultima lui căsătorie a fost cea mai lungă, a durat douăzeci și unu de ani.

Prima sa căsătorie a fost cu cântăreața franceză Sylvie Vartan , care a durat cincisprezece ani, din 1965 până în 1980. [29] Fiul lor, David s-a născut în 1966. A doua căsătorie cu Babeth Étienne a fost cea mai scurtă, a durat 65 de zile. [30] Hallyday a avut o relație de patru ani cu actrița franceză Nathalie Baye . Fiica lor, Laura s-a născut în 1983. [31] A treia și a patra căsătorie ale sale au fost cu aceeași femeie, Adeline Blondieau, din 1990 până în 1992 și din 1994 până în 1995. [32] Ofișată de Nicolas Sarkozy , a cincea și ultima sa căsătorie a fost lui Laeticia Boudou din 1996 până la moartea sa. Cuplul a adoptat două fete din Vietnam : Jade Odette Désirée, născută la 3 august 2004 (fostă Bùi Thị Hoà), în noiembrie 2004, [33] și Joy în 2008.

Reședință [ editează ]

Hallyday, care locuia în Los Angeles, a deținut o cabană în orașul elvețian Gstaad din 2006 până în 2015 pentru a evita cota de impozitare ridicată impusă de guvernul francez. [13] [34] Hallyday a spus că și-ar fi mutat rezidența înapoi în Franța dacă și-ar fi schimbat legile fiscale. [35] În ianuarie 2014, Hallyday a spus că reședința sa actuală se află în Statele Unite, după ce o investigație a unui jurnalist elvețian a arătat că Hallyday nu a petrecut suficient timp în Gstaad pentru a se califica ca rezident. [36] Una dintre activitățile sale preferate de agrement a fost să călărească cu Harley-Davidson -ul în călătorii lungi prin deșertul California, cazând în moteluri mici de-a lungul drumului. [37]

Boală și moarte [ editare ]

În iulie 2009, Hallyday a fost diagnosticată cu cancer de colon [ 38] și a suferit o intervenție chirurgicală. La 26 noiembrie 2009, [39] Hallyday a fost operat la Paris pentru a repara o hernie de disc . A suferit complicații și a fost internat la Centrul Medical Cedars-Sinai din Los Angeles. Medicii au anunțat că l-au pus pe Hallyday într-o comă indusă medical, astfel încât să poată repara leziunile care s-au format în urma intervenției chirurgicale și pentru a-i calma durerea. La 17 decembrie 2009, Hallyday și soția sa au început o procedură judiciară împotriva lui Stephane Delajoux, medicul care a efectuat operația inițială. [40] Conflictul a fost rezolvat în februarie 2012, în urma justificării lui Delajoux de către anchetatorii medicali. [41]

Hallyday a murit de cancer pulmonar la 22:10 pe 5 decembrie 2017 [42] în Marnes-la-Coquette , lângă Paris, la vârsta de 74 de ani. [43] [13] [44] [45] Președintele francez Emmanuel Macron a plătit tribut, spunând că „a depășit generațiile și este gravat în memoria poporului francez”. [46] La 9 decembrie, înmormântarea lui a avut loc la Paris; 900.000 s-au aliniat pe Champs-Élysées, în timp ce trupul său a fost dus la Biserica Madeleine . La slujbă au participat Macron și doi dintre predecesorii săi. [47]

A fost înmormântat pe insula franceza din Caraibe Saint Barthélemy în cimitirul bisericii parohiale Lorient ( Église de Lorient ) la 11 decembrie 2017. [48]

În februarie 2018, cei doi copii ai săi mai mari, David și Laura, au anunțat că îi contestă testamentul, care i-a lăsat întreaga avere ultimei sale soții, Læticia, și celor doi copii adoptați ai lor. Testamentul a fost întocmit în SUA, iar avocații lor au susținut că acest lucru a încălcat legea franceză, care împiedică dezmoștenirea copiilor. [49]

Moștenire [ editare ]

Hallyday a fost numit cândva „ Elvisul francez ”. [50] [51] The Daily Beast l-a descris pe Hallyday drept „un răspuns galic, îmbrăcat în piele, care se rotește șoldul lui Elvis Presley, care a zdruncinat scena muzicală a țării sale natale, cu trăsături rock-n-roll și băieți rău în stil american”. [52] El a rămas în mare parte necunoscut în afara lumii francofone și a fost uneori descris drept „cel mai mare star rock despre care nu ai auzit niciodată” în țările vorbitoare de limbă engleză. [37] [53] [54] A fost numit Cavaler (Cavaler) al Legiunii de Onoare în 1997 [55] și Ofițer al Ordinului Coroanei (Belgia) în 2001. [56]

Jimmy Buffett i-a adus un omagiu lui Johnny cu piesa sa „Johnny's Rhum” pe albumul său din 2023, Equal Strain On All Parts .

Discografie [ editare ]

Articolul principal: discografia Johnny Hallyday

Filme [ editare ]

Cărți [ edit ]

  • Hallyday, Johnny (1979). Johnny povestește Hallyday (ed. I). Paris: Filipacchi. ISBN 2-86391-006-X.
  • Hallyday, Johnny; Sthers, Amanda (2014). Dans mes yeux: Johnny Hallyday se povestește cu Amanda Sthers . Paris: Buzunar. ISBN 9782266236225. OCLC  887560125 .


DEMIS ROUSSOS
Demis Roussos
Ντέμης Ρούσσος
Roussos în 1973
Născut
Artemios Ventouris-Rousos

15 iunie 1946
Alexandria , Egipt
Decedat25 ianuarie 2015 (68 de ani)
Atena , Grecia
Ocupații
  • Cântăreaţă
  • compozitor
  • muzician
ani activi1963–2014
Cariera muzicala
genuri
Instrument(e)
  • Voce
  • chitară bas
  • chitară
  • trompeta
Etichete
Anterior deCopilul Afroditei

Artemios " Demis " Ventouris-Roussos ( / ˈ r uː s oʊ s / ROO -sohss ; greacă : Αρτέμιος "Ντέμης" Βεντούρης-Ρούσσος , IPA: [arˈtemiˈzˈdu 6 ˈdem ˈ 1 ˈ 1 ˈ 1 ˈ 1 ˈ ˈ ˈ ˈ ˈ ˈ 4 ˈ ˈ ˈ ˈ s ; 25 ianuarie 2015) a fost un cântăreț, compozitor și muzician grec. Ca membru al trupei, este cel mai bine amintit pentru munca sa în actul de muzică rock progresiv Aphrodite's Child , dar ca solist vocal, repertoriul său a inclus cântece de succes precum „ Goodbye, My Love, Goodbye ”, „ From Souvenirs to Souvenirs ” și „ În vecii vecilor ".

Roussos a vândut peste 60 de milioane de albume în întreaga lume [1] și a devenit „un simbol sexual improbabil purtând caftan ”. [2]

Viața timpurie [ editare ]

Roussos s-a născut și a crescut în Alexandria , Egipt , într-o familie grecească . [3] [4] Tatăl său, George (Yorgos) Roussos, a fost chitarist clasic și inginer, iar mama sa, Olga (1923–2019), a participat împreună cu soțul ei într-un grup de teatru grecesc de amatori în Alexandria (au fost trei astfel de grupuri din comunitatea greacă); familia ei provenea inițial din Grecia. [3] Bunicii săi materni erau din Chios și au emigrat în Alexandria după Catastrofa din Asia Mică . Bunicii lui paterni erau din Chania . Bunicul său s-a mutat în Egipt la începutul anilor 1900 împreună cu viitoarea lui soție, care era minoră. Și-a schimbat numele de familie din Ventouris în Roussos pentru a se ascunde de familia ei. [5]

În copilărie, Roussos a studiat muzica și s-a alăturat corului bizantin al Bisericii Greci din Alexandria. [6] [7] Anii săi de formare în atmosfera cosmopolită a orașului port antic au fost influențați de jazz , dar și de muzica tradițională arabă și grecească ortodoxă . [8] Părinții săi și-au pierdut bunurile în timpul crizei de la Suez și, în consecință, au decis să se mute în Grecia. [9]

Cariera muzicală [ editare ]

După ce s-a stabilit în Grecia, Roussos a participat la o serie de grupuri muzicale începând cu Idolii la vârsta de 17 ani, unde i-a întâlnit pe Evángelos Papathanassiou (cunoscut mai târziu sub numele de Vangelis ) și pe Loukas Sideras , viitorii săi colegi de trupă din Aphrodite's Child . [10] După aceasta, sa alăturat trupei din Atena We Five, o altă trupă de cover care a avut un succes limitat în Grecia. [11]

Stilul vocal operistic al lui Roussos a contribuit la propulsarea trupei către succesul internațional, în special pe ultimul lor album 666 , bazat pe pasaje din Cartea Apocalipsei , care a devenit un clasic cult rock progresiv . [11]

După ce Aphrodite's Child s-a desființat, Roussos a continuat să înregistreze sporadic cu fostul său coleg de trupă Vangelis. În 1970, cei doi au lansat albumul de partituri de film Sex Power (albumul a fost, de asemenea, creditat pentru Aphrodite's Child), iar mai târziu au înregistrat împreună albumul Magic din 1977 . Cea mai reușită colaborare a lor a fost „Race to the End” (cântat și în spaniolă sub numele de „Tu Libertad”), o adaptare vocală a temei muzicale din filmul câștigător al Oscarului Chariots of Fire (scenat de Vangelis). Roussos a fost invitat și pe coloana sonoră a lui Vangelis pentru Blade Runner (1982), [12] pe piesele „Tales of the Future”, „Damask Rose”, „Taffey's Snake Pit Bar” și „On the Trail of Nexus 6” (mai multe disponibil numai în formă non- bootleg pe setul de CD ediție limitată a 29-a aniversare lansat în 2011).

Cariera solo [ edit ]

De asemenea, Roussos a început o carieră solo cu cântecul „ We Shall Dance ” în 1971, care a fost unul dintre hiturile de top zece atât în ​​Țările de Jos , cât și în Belgia . Inițial fără succes, a făcut un turneu prin Europa și a devenit un artist de frunte. Cariera sa solo a atins apogeul la mijlocul anilor 1970 cu mai multe albume de succes. [12] Single-ul său „ Forever and Ever ” a ajuns în fruntea topurilor din mai multe țări în 1973. A fost locul 1 în UK Singles Chart în 1976. [6]

Alte hituri ale lui Roussos au inclus „ My Friend the Wind ”, „ My Reason ”, „ Vvet Mornings ”, „ Goodbye My Love, Goodbye ”, „ Someday Somewhere ” și „ Loly Lady of Arcadia ”. Primul său single din Marea Britanie care a ajuns în topuri a fost în 1975: „ Happy to Be on an Island in the Sun ”, scris de nord-irlandezul David Lewis , recordul ajungând pe locul 5 în topuri. [2] Popularitatea sa în restul Europei, dar nu în Marea Britanie, a ajuns să-l fascineze pe producătorul BBC TV John King, care a realizat un documentar intitulat „The Roussos Phenomenon” în 1976. Philips Records a lansat un album cu patru melodii cu același nume , care a fost primul joc extins care a ajuns pe primul loc în clasamentul single-urilor din Marea Britanie. [13] A avut la fel de succes în Europa, America Latină, Orientul Mijlociu și Japonia. [14]

În 1973, Roussos a făcut una dintre primele sale apariții la televiziune la The Basil Brush Show [15] și a apărut, de asemenea, în emisiunea TV a lui Nana Mouskouri din Marea Britanie. [13] În 1978, a avut singurul său hit disco intitulat „LOVE (Got A Hold Of Me)”. În 1980, a avut un hit cu un cover al piesei „ Lost in Love ” de la Air Supply , [16] cântat în duet cu Florence Warner . [17]

Numărul de hituri ale lui Roussos a fost menținut în anii 1980, în special în Franța, cu numărul doi „ Quand je t'aime ” în 1988 și „ On écrit sur les murs ” în 1989, alături de discuri de aur pentru albumele Le Grec și Voice and Vision. . De asemenea, albumul său de Crăciun și Greatest Hits au atins cu ușurință statutul de aur în Franța, Belgia și Țările de Jos. În 1989, a înregistrat piesa „Young Love”, un duet cu cântărețul și compozitorul german Drafi Deutscher , care a fost lansat ca single în Germania și a ajuns pe locul 2 la emisiunea de muzică TV germană ZDF-Hitparade în octombrie a aceluiași an. [18]

În 1982, Roussos a lansat un album intitulat simplu Demis, la care a colaborat Jon Anderson din trupa Yes , scriind o melodie, muzică și versuri Lament și scriind versuri pentru alte două, primul Song For The Free și celălalt Race to the end. cu muzica lui Vangelis . Acest cântec este un cover al hitului lui Vangelis, Chariots of Fire, pe care Jon Anderson a scris versurile pentru Roussos. [ necesită citare ]

Anii 1990 au avut lansări și mai substanțiale ale lui Roussos. În 1993, a lansat „Insight” (numit și „Morning Has Broken”), care a fost apreciat general. După aceea, a făcut echipă cu BR Music din Olanda pentru a produce „Immortel”, „Serenade” și „In Holland”. [19]

Roussos la Kiev , 2010

Roussos a continuat să înregistreze și să facă turnee. În 2002 a făcut un turneu în Anglia când o colecție „ best of ” pe care a realizat-o, Forever and Ever – Definitive Collection , a ajuns la nr. 17 în UK Albums Chart [2] , deși s-a remarcat că vocea lui s-a schimbat odată cu „vibrato-ul triling a evoluat într-o șoaptă husky și uneori guturală”. [20]

În ultimii ani a apărut în Rusia și Emiratele Arabe Unite . [ citare necesară ] Adept devotat al credinței greco-ortodoxe , a cântat ca invitat într-un număr de biserici din Grecia și din întreaga lume, inclusiv Franța. [13]

În 2006, a lansat Demis Roussos – Live in Brasil , [21] la aproape treizeci de ani după „Você Você e Nada Mais”, un hit portughez în 1977. [22] Din 2006 până în 2008, a făcut parte din Âge Tendre et Têtes turneu de Bois , o serie de concerte cu cântăreți francezi din anii 1960 și 1970. [23] [24]

Roussos a revenit în 2009, în care și-a înregistrat ultimul album de studio, Demis , produs de Marc di Domenico  [ fr ] , lansat pe 11 mai. [25] Pe acest album, fiul lui Steve Howe , Virgil , cântă la tobe.

Cu doar o lună înainte de moartea sa, Roussos a selectat melodiile pentru o compilație oficială de CD a lucrării vieții sale, inclusiv note ale celor doi copii ai săi, Emily și Cyril. CD-ul, Demis Roussos Collected , a fost lansat în martie 2015. [ necesită citare ] A devenit albumul numărul unu în topurile albumelor belgiene și a ajuns pe locul 61 în Țările de Jos.

Michel Elefteriades [ editează ]

Demis Roussos a colaborat cu Michel Elefteriades la multe cântece pe care Elefteriades le-a rearanjat într-o fuziune orientală; [26] proiectul a fost numit Demis Roussos & the Oriental Roots Orchestra. [27] [28] [29] [30] Acest proiect a fost prezentat pentru prima dată la Festivalul Mediterraneo Byblos în 2001 [31] [32] [33] [34] [35] [36] și la scurt timp după aceea a devenit un succes internațional în lumea arabă [37] fiind ulterior pusă în scenă din nou în Egipt și Qatar . De asemenea, Elefteriades a compus, scris și aranjat piesa „The Beast” pentru Roussos și a regizat videoclipul acesteia. [38]

Deturnarea avioanelor TWA din 1985 [ editare ]

În iunie 1985, Roussos se număra printre pasagerii zborului TWA 847 de la Atena la Roma, care a fost deturnat, dar a fost eliberat împreună cu alți patru greci după cinci zile, în timp ce majoritatea celorlalți ostatici au rămas acolo timp de 17 zile. [13] [39]

Boală și moarte [ editare ]

Roussos în 2014

Ani de zile, Roussos s-a luptat cu greutatea lui. În iunie 1980 cântărea 147 de kilograme (23 st; 324 lb). Apoi a început o dietă în care a slăbit 50 kg (8 st; 110 lb) în 10 luni. [40] În 1982, a scris împreună cu prietenul său apropiat, fotograful Veronique Skawinska , cartea A Question of Weight , în care a abordat cu sinceritate luptele sale cu obezitatea . [41]

Roussos a murit în dimineața zilei de 25 ianuarie 2015, de cancer de stomac , cancer pancreatic și cancer la ficat, în timp ce era internat la Spitalul Ygeia din Atena, Grecia. Moartea sa a fost confirmată o zi mai târziu de un prieten, jurnalistul Nikos Aliagas , care a postat știrea pe Twitter pe 26 ianuarie 2015 atât în ​​greacă, cât și în franceză. [42] [43] Moartea sa a fost confirmată mai târziu în aceeași zi de fiica sa, care a vorbit cu presa greacă și franceză.

Cântăreața greacă Nana Mouskouri i-a adus un omagiu lui Roussos la postul de radio francez RTL , spunând „A avut o voce superbă, a călătorit în lume... îi plăcea ceea ce făcea... Era un artist, un prieten. sper că este într-o lume mai bună.” [1]

Președintele Belarus la acea vreme, Alexander Lukașenko, a spus: „Acest artist a lăsat o amprentă strălucitoare în arta muzicală mondială și a făcut istorie ca unul dintre cei mai mari cântăreți, a cărui manieră extrem de emoționantă de a cânta a prins inimile ascultătorilor din întreaga lume...” [44]

Înmormântarea lui Roussos a avut loc la Primul Cimitir din Atena , locul de înmormântare a multor politicieni și personalități culturale grecești, pe 30 ianuarie. Cântăreața Mariza Koch a spus: „A fost o voce care a trezit emoții în oameni și a onorat Grecia oriunde a ajuns. Ne-am luat rămas bun de la Demis”. Compozitorul Giorgos Hatzinasios a comentat: „Încă îi aud râsul din inimă în urechile mele și vreau să-mi iau rămas bun de la el cu nostalgie și dragoste”. [45]

Viața personală [ editare ]

Roussos a fost căsătorit de trei [46] [47] [48] [49] sau poate de patru [50] [51] ori. A avut o fiică, Emily, cu prima sa soție, Monique. Cu a doua sa soție, Dominique, a avut un fiu, Cyril. Ambii copii ai lui Roussos sunt muzicieni. [52] [53] A treia sa soție, modelul american Pamela Smith, acum Pamela Roussos-Rațiu (soția omului de afaceri român Indrei Rațiu, căsătorită în 2004), [54] a fost alături de el în timpul incidentului de deturnare a avionului TWA din 1985. [55] A patra și ultima sa soție era o parizienă pe nume Marie. [56]

Roussos i-a enumerat pe Mozart și Sting printre compozitorii săi preferați. [57]

În cultura populară [ edit ]

Roussos este subiectul unei certuri între două personaje principale din adaptarea TV a piesei lui Mike Leigh din 1977, Abigail's Party . În ziua morții lui Roussos, actrița Alison Steadman a fost intervievată de premierul BBC Radio 4 și a discutat despre semnificația muzicii din piesă. [58]

Pe 15 iunie 2016, copiii săi Emily și Cyril au deschis Muzeul Demis Roussos din Nijkerk , Țările de Jos . După moartea sa, curatorul a inițiat procedura de mutare a muzeului în Grecia. [59]

Piesa de la Bollywood „Mehbooba Mehbooba” din filmul Sholay se bazează pe „Say You Love Me” de Roussos. Într-un interviu, [ când? ] regizorul său Ramesh Sippy a relatat că a participat la un concert Roussos la Londra. Soția lui i-a cerut să încorporeze acest cântec în melodia lui Sholay . [60] [ este nevoie de o sursă mai bună ]

Steve Coogan și Rob Brydon încearcă, pe rând, să imite falsetul lui Roussos din „Forever and Ever” în timp ce conduc prin mediul rural grecesc în filmul din 2020, The Trip to Greece . [ necesită citare ]

„Forever and Ever” apare în coloana sonoră a filmului Palm Springs din 2020 . [ necesită citare ]

Premii și onoruri [ editare ]

Discografie [ editare ]

Articolul principal: Discografia Demis Roussos

Printre cele mai cunoscute piese ale lui Demis Roussos se numără „ We Shall Dance ” (lansat ca single în 1971), „ My Reason ” (1972), „ Goodbye, My Love, Goodbye ”, „ Velvet Mornings ”, „ My Friend the Wind “, „ Lovely Lady of Arcadia ” (1973), „ Someday Somewhere ” (1974), „ Singura mea fascinație ” (1974), „ De la suveniruri la suveniruri ” (1975), „ Quand je t’aime ” (1987), „ Pe écrit sur les murs ” (1989).

Albume de studio

Filmografie [ editare ]

  • 1966: Na zi kaneis i na mi zi? – un cântăreț [ necesită citare ]
  • 1969: L'homme qui venait du Cher (film TV) [ necesită citare ]
  • 2012: Un tip grec de problemă – Papa [ necesită citare ]
  • 1982: Tales Of The Future (film) Blade Runner (vocalist – necreditat)

JULIA FISCHER
Julia Fischer
Fischer în 2006
Născut15 iunie 1983 (40 de ani)
Munchen , Germania de Vest
EducaţieUniversitatea de Muzică și Arte Spectacolului din München cu Ana Chumachenco
Ocupație(e)Violonist
pianist
profesor de vioară
ani activi1995-prezent
PremiiConcursul internațional Yehudi Menuhin pentru tineri violoniști categoria juniori Premiul I 1995
Premiile Gramophone pentru muzică clasică 2007 Artistul anului
Site-ul webJuliaFischer.com

Julia Fischer (născută la 15 iunie 1983) este o violonistă și pianistă clasică germană. [1] [2] [3] [4] [5] Ea predă la Universitatea de Muzică și Arte Spectacolului din München și joacă de până la 60 de ori pe an. [6]

Biografie [ editare ]

Julia Fischer este de origine germano-slovacă. Părinții ei s-au întâlnit ca studenți la Praga . [7] Mama ei este Viera Fischer (n. Krenková). Tatăl ei, Frank-Michael Fischer, un matematician din Germania de Est , s-a mutat și el din Saxonia de Est în Germania de Vest în 1972. Pe lângă germană, Fischer vorbește fluent engleza și franceză.

Fischer a început să cânte la vioară înainte de a patra aniversare și a primit prima ei lecție de la Helge Thelen. Câteva luni mai târziu, a început să ia lecții de pian de la mama ei. Fischer a spus odată: „Mama mea este pianistă și am vrut să cânt și la pian, dar din moment ce fratele meu mai mare cânta și el la pian, m-am gândit că ar fi bine să învăț un alt instrument. Am fost de acord să încerc vioara și am rămas. Cu acesta." [8] Fischer susține, de asemenea, credința mamei ei că educația muzicală de orice fel ar trebui să includă elementele fundamentale ale pianului pentru a-și extinde repertoriul și cunoștințele despre armonie, teorie și stil. [9]

La vârsta de opt ani și-a început studiile formale de vioară la Conservatorul Leopold Mozart din Augsburg , sub tutela Lydiei Dubrowskaya. Când avea nouă ani, a fost admisă la Universitatea de Muzică și Arte Spectacolului din München , unde a lucrat cu Ana Chumachenco . [10]

Când avea doisprezece ani, a cântat pentru prima dată Concertul pentru vioară al lui Beethoven în orașul natal al mamei ei din Slovacia de Est , iar mai târziu a cântat din nou cu Yehudi Menuhin la Viena. Beethoven a fost și compozitorul preferat al mamei și al fratelui ei. Părinții lui Fischer au divorțat când ea avea treisprezece ani. [11] În adolescență, a fost inspirată de Glenn Gould , Evgeny Kissin și Maxim Vengerov . [12]

Competiții [ edit ]

Două competiții au definit începutul carierei lui Fischer ca violonist profesionist. Cea mai prestigioasă competiție câștigată de Fischer a fost Concursul internațional de vioară Yehudi Menuhin din 1995 , care a avut loc la Folkestone sub supravegherea lui Yehudi Menuhin .

Interpretarea ei i-a câștigat primul premiu la categoria juniori [13], precum și toate premiile speciale, inclusiv premiul Bach pentru cea mai bună interpretare solo a operei compozitorului. [14] [15]

Jurnalistul muzical Edward Greenfield a spus: „Am auzit-o pentru prima dată pe Julia Fischer în 1995, la vârsta de 12 ani, la Concursul de vioară Yehudi Menuhin. Nu numai că a câștigat definitiv la categoria juniori, dar a fost evident mai inspirată decât oricine la seniori. categorie." [16]

Profesorul ei din München , Ana Chumachenco , l-a ținut pe Fischer la pământ, făcând-o să practice piese dificile din Sarasate . [14] În 1996, ea a câștigat un alt concurs major, a opta competiție Eurovision pentru tineri instrumentiști de la Lisabona, care a fost difuzat în 22 de țări.

Cariera [ editează ]

Artist solo [ editare ]

Fischer și-a început cariera devreme, deși a urmat școala ( gimnaziul ) până la vârsta de 19 ani, învățând matematică și fizică, precum și muzică, și a promovat Abitur în primăvara anului 2002. [17] [15] Ea susține concerte de când avea 11 ani și a început să predea ca profesor de vioară la 23 de ani. [18]

Fischer a lucrat cu mulți dirijori recunoscuți la nivel internațional, precum Simon Rattle , Lorin Maazel , Christoph Eschenbach , Yakov Kreizberg , Yuri Temirkanov , Sir Neville Marriner , David Zinman , Zdeněk Mácal , Jun Märkl , Ruben Gazarian , Marek, Blomowskis , Michael, Herbert și Michael . Tilson Thomas . Ea a lucrat, de asemenea, cu o varietate de orchestre de top germane, americane, britanice, poloneze, franceze, italiene, elvețiene, olandeze, norvegiene, ruse, japoneze, cehe și slovace. [16]

A cântat în majoritatea țărilor europene, Statele Unite, Brazilia și Japonia. Concertele ei au fost difuzate la TV și radio în toate țările europene importante și multe au fost prezentate pe posturile de radio din SUA, Japonia și Australia.

Lorin Maazel ca mentor [ editare ]

Lorin Maazel , dirijorul șef al Orchestrei Simfonice Radio Bavareze din München din 1993 până în 2002, a fost mentorul lui Fischer din 1997. [19] Obișnuia să cânte într-un concert cu Fischer cel puțin o dată pe an. Maazel l-a făcut pe Fischer să cânte ca solist cu Orchestra Simfonică a Radio Bavarezei mai întâi la festivalul Bad Kissingen și apoi, în martie 2000, la München, unde competiția a fost acerbă.

Debut la Carnegie Hall [ editare ]

2003 a fost un an esențial în cariera lui Fischer, inclusiv debutul ei la Carnegie Hall , când a primit ovații în picioare pentru interpretarea dublu concert al lui Brahms cu Lorin Maazel și orchestra simfonică a radioului bavarez. [10]

În 2003, Fischer a cântat pentru prima dată cu Filarmonica din Berlin sub conducerea lui Lorin Maazel, precum și cu Orchestra Simfonică din Londra . În ciuda complicațiilor suplimentare ale schimbării programului cu două săptămâni înainte de concert, de la Concertul pentru vioară Beethoven la Concertul pentru vioară Bartók , pe care Fischer nu mai cântase până acum, ea l-a stăpânit.

După numeroase spectacole în SUA în ultimii șase ani, în 2003, Fischer a cântat și cu Filarmonica din New York sub bagheta lui Lorin Maazel, cântând Concertul pentru vioară Sibelius la Lincoln Center din New York , precum și Concertul pentru vioară Mendelssohn din Vail , Colorado.

A făcut turnee cu Sir Neville Marriner și Academia Sf. Martin in the Fields , Herbert Blomstedt și Orchestra Gewandhaus din Leipzig , Orchestra Filarmonicii Regale și Filarmonica din Dresda.

În 2006, Fischer a fost numit profesor la Universitatea de Muzică și Arte Spectacolului din Frankfurt . Era cea mai tânără profesoră din Germania la acea vreme. [2] În toamna anului 2011, Fischer a preluat catedra fostei ei profesoare Ana Chumachenco la Universitatea de Muzică și Arte Spectacolului din München . [20]

La Festivalul de Paște de la Salzburg din 2011 , Fischer a cântat concertul de vioară al lui Alban Berg cu Simon Rattle și Filarmonica din Berlin . În mai 2013, a cântat pentru prima dată cu Filarmonica din Viena sub Esa-Pekka Salonen , cântând în concertele pentru vioară ale lui Esa-Pekka Salonen și Ludwig van Beethoven . [21]

La balul de absolvire [ editare ]

Când Fischer a cântat concertul de vioară Dvořák cu David Zinman și Tonhalle-Orchester Zürich la BBC Proms pe 21 iulie 2014, concertul a fost înregistrat și a primit recenzii excelente:

„Julia Fischer prezintă o relatare splendidă a concertului pentru vioară Dvořák. Ea cântă cu simțul ei fin obișnuit pentru tempo-uri judicioase, o gamă largă de dinamici aplicate cu imaginație, intonație frumoasă și tehnică spectaculoasă. Este foarte poetică în a doua mișcare minunată și în panourile exterioare ea cântă cu un adevărat dinamism, surprinzând toată drama și bucuria din muzică [...] Am citat mai sus tehnica lui Fischer: puteți urmări și asculta cu uimire interpretarea ei de bis incredibil de subtilă și absolut orbitoare. finalul Sonatei Hindemith pentru vioară solo în sol minor.” [22]

Concertul pentru vioară Beethoven [ editare ]

În sezonul de concerte 2018–2019, Fischer a cântat concertul de vioară Beethoven cu Michael Tilson Thomas și Orchestra Simfonică din Londra la Londra, pe 30 mai 2019. [23]

Premii [ editare ]

Fisher a fost selectată drept unul dintre cei 16 violonişti ai secolului, alături de Jascha Heifetz şi Yehudi Menuhin , pentru setul de 20 de CD-uri al Sueddeutsche Zeitung în 2006. [3] [4] Ea a fost nominalizată la Gramophone Classical Music Awards 2007, artistă de la an, urmând-o pe Martha Argerich (1999) și precedând-o pe Hilary Hahn (2008).

Solist la vioară și pian [ editare ]

Fischer este un solist care poate cânta cu experiență atât partea de vioară, cât și partea de pian a sonatelor . [9] Practicarea ambelor părți ale sonatelor Beethoven este modul în care educația ei muzicală a început la vârsta de 4 ani. Această abordare i-a îmbunătățit înțelegerea armoniei și stilului lucrărilor pe care le cântă ca violonistă.

A încetat să mai practice pianul pentru câteva luni în timp ce se pregătea pentru Concursul Menuhin din 1995, unde a câștigat premiul I la categoria juniori.

La 1 ianuarie 2008, Fischer a debutat în public ca pianistă, interpretând Concertul pentru pian în la minor al lui Edvard Grieg cu Junge Deutsche Philharmonie la Alte Oper din Frankfurt. Concertul a fost condus de Matthias Pintscher , care a intrat în locul lui Sir Neville Marriner . Cu aceeași ocazie, a interpretat și Concertul pentru vioară nr. 3 în si minor de Camille Saint-Saëns . Fischer a susținut acest concert din nou la Sankt Petersburg pe 4 ianuarie 2008. [ potrivit cui? ]

Fischer despre performanță [ editează ]

Fischer a spus odată: „Ceea ce este util pentru o carieră este că este întotdeauna despre muzică și nu despre carieră. De îndată ce un tânăr muzician decide din anumite motive să aibă o carieră în loc să folosească motive muzicale, pot garanta că va fi – dacă va fi – o carieră scurtă, cred cu adevărat că, dacă cineva vrea să-și petreacă viața profesională cu muzica, va fi – fie ca solist, membru de orchestră, profesor, promotor de concert sau agent. În final, nu este important să alegeți să deveniți muzician, deoarece credeți că lumea are nevoie de muzică și fără muzică, viața emoțională a ființelor umane va muri cu dăruire și muncă. [24]

Într-un interviu din mai 2006, ea a spus că concertul pentru vioară de la Beethoven este probabil concertul care îi place cel mai mult. [25] Mama ei i-a învățat pe Fischer și pe fratele ei să cânte la pian doar din dragoste pentru muzica clasică. [26] Juriul de la BBC Music Magazine Awards din 2006 a spus: „Există multe înregistrări ale lucrărilor lui Bach pentru vioară solo, dar rareori ating culmi atât de uluitoare ale muzicieniei ca aceasta. Julia Fischer este un tehnician incredibil și un muzician plin de suflet, care face nu lăsa nici un gram de ego să se interpună între muzică și ascultător”. [27]

În 2010, un critic pentru The Guardian a scris: „Deși încă la jumătatea ei de 20 de ani, ea cântă Bach de aproape două decenii, într-un act zilnic de închinare privată. [...] Sunetul plin de sânge al lui Fischer încă permite precizie uluitoare: cu înțelegerea ei perfectă a ritmului uniform și tensiunea crescândă în centrul lucrării, ea a ținut publicul într-o strânsoare ca de menghină.” [28]

"Pe o scenă de concert, interpretând muzică de Bach, Schubert sau Sibelius, superba tânără violonistă germană Julia Fischer este imaginea concentrării și disciplinei. În afara scenei, ea este la fel." (Joshua Kosman despre Julia Fischer 3 iunie 2009 [9] )

Muzică de cameră [ editare ]

În 2011, Fischer a fondat cvartetul Fischer cu Alexander Sitkovetsky (vioară), Nils Mönkemeyer (viola) și Benjamin Nyffenegger (violoncel). [21] Cvartetul a plecat în turneu la începutul lui 2018, cu escale la Leipzig, Londra, Luxemburg, München și Zürich. [16] Partenerii muzicali în muzica de cameră sunt Daniel Müller-Schott (violoncel), Milana Chernyavska , Yulianna Avdeeva și Igor Levit (pian).

Repertoriu [ editare ]

Compozitorii cu care Fischer a petrecut cel mai mult timp sunt Beethoven , Bach , Dvořák , Schubert și Brahms . [25] Repertoriul ei activ se întinde de la Bach la Penderecki , de la Vivaldi la Șostakovici , conținând peste 40 de lucrări cu orchestră și aproximativ 60 de lucrări de muzică de cameră. Este cunoscută pentru interpretarea operei lui Bach, câștigând premiul Bach la concursul Menuhin din 1995 și Premiile BBC Music Magazine din 2006 pentru cel mai bun debutant pentru CD-ul Johann Sebastian Bach , Sonate și Partitas pentru vioară solo (BWV 1001–1006) .

Instrumente [ editare ]

În prezent, Fischer cântă un Guadagnini 1742 cumpărat în mai 2004 și, de asemenea, la o vioară de Philipp Augustin 2011, pe care o deține din 2012. [29] [30] [31] [10] De patru ani înainte, ea a fost folosind un Stradivarius , 1716 Booth , împrumutat de la Nippon Music Foundation, un instrument care aparținuse anterior unei alte violoniste, Iona Brown . Ea folosește de obicei un arc Benoît Rolland , dar uneori o copie a Heifetz Tourte a creatorului vienez Thomas Gerbeth pentru muzica din perioada clasică timpurie. [32]

Fischer a spus în august 2010: [33] „Am cântat la o vioară de dimensiune adultă (4/4) încă de la vârsta de zece ani. Calitatea instrumentelor mele s-a îmbunătățit odată cu trecerea timpului: Ventapane, Gagliano și apoi Testore , în sus. la un Guarneri del Gesù în 1998. Cu toate acestea, nu am fost mulțumit de acea vioară și m-am schimbat la un Stradivarius — 1716 Booth, proprietatea Nippon Music Foundation — la care am cântat timp de patru ani, de care am fost foarte mulțumit Totuși, mi-am dorit întotdeauna să am un instrument al meu. Astfel, în urmă cu șase ani, la Londra, am cumpărat, cu sfatul concertistului Academiei St. Martin in the Fields , care este unul dintre cei mai buni. prieteni, Guadagnini din 1742. "

Înregistrări [ editare ]

În toamna anului 2004, casa de discuri Pentatone a lansat primul CD al lui Fischer: Concerte rusești pentru vioară cu Yakov Kreizberg și Orchestra Națională Rusă. A primit recenzii extraordinare, urcând în primele cinci cele mai bine vândute discuri clasice din Germania în câteva zile și primind „Alegerea editorului” de la Gramophone în ianuarie 2005. Alte înregistrări apreciate de critici includ sonatele și partitele lui JS Bach pentru vioară solo , concertul pentru vioară Mozart și concertul pentru vioară Ceaikovski . După cinci ani cu Pentatone, în 2009, Fischer a semnat un contract cu Decca Classics.

Ea a publicat o serie de CD-uri apreciate și premiate pentru Pentatone (concerte rusești pentru vioară, Sonate solo și Partitas de Bach, Triourile Mendelssohn, Concertele Mozart, Brahms Vc. și Concertul dublu), precum și pentru Decca (Vioara Bach ). concerte, Paganini 24 Caprices pentru vioară solo, muzică impresionistă sub titlul „Poème” și combinația Dvorak/Bruch Made in Switzerland) plus două DVD-uri (Vivaldi, The Four Seasons și Concertul ei de Anul Nou 2008 la Frankfurt, unde a cântat ambele solo la vioară şi pian).

Fischer despre înregistrare [ editează ]

Despre înregistrarea pentru Pentatone , Fischer a spus odată: „Am avut oferte de la mari companii, dar niciuna nu a făcut apel. Nu trebuie să înregistrați. Yakov [Kreizberg] a vorbit cu oamenii de la Pentatone și cu mine și ne-a pus împreună. Pentatone mai mult sau mai puțin Mi-a dat carte liberă în ceea ce înregistrez și muzicienii cu care lucrez au fost atât de importante pentru mine pentru a experimenta ceva și pentru a-mi ajuta să cânt și să fac muzica Chiar am vorbit despre piese; am învățat atât de multe.” [34]

Potrivit Revistei Strings, „Când Kreizberg i-a cerut să înregistreze cu Orchestra Națională Rusă, ea a spus da, dar s-a întrebat în privat dacă acest lucru se va întâmpla, știind că astfel de planuri de înregistrare impulsive dispar adesea în aer. Încă după ultima lor interpretare în Philadelphia, Kreizberg avea deja întâlnirile și dintr-o dată Fischer, care nici măcar nu se hotărâse dacă vrea să înceapă să înregistreze în mod regulat, a avut un contract de trei ani și șapte CD-uri cu PentaTone, noua etichetă olandeză de înaltă tehnologie condusă de foști directori Philips Classics. , și una dintre primele etichete care a îmbrățișat noua tehnologie de sunet surround SACD cu 5.1 canale.” [35]

Articolul a continuat spunând că „Deși încă a șovăit, ceea ce a decis să semneze pe linia punctată a fost că toate înregistrările concertelor vor fi conduse de Kreizberg”. [35]

Premii și onoruri [ editare ]

Fischer a câștigat cinci premii pentru interpretarea la vioară și trei premii pentru interpretarea la pian la Jugend musiziert .

Ea a câștigat toate cele opt concursuri la care a participat.

În 1997, Fischer a fost distins cu „Prix d'Espoir” de către Fundația Industriei Europene. Ea a avut ocazia să cânte la vioara proprie a lui Mozart în camera în care acesta s-a născut la Salzburg pentru a onora 250 de ani de la nașterea lui.

Viața privată [ editare ]

Fischer este căsătorit și are doi copii. [38] Ea locuiește în Gauting , o suburbie a orașului natal Munchen . [39]



FERENC ERKEL

Pictura din anii 1850 a lui Erkel de Alajos Györgyi Giergl

Ferenc Erkel ( maghiară : Erkel Ferenc pronunția maghiară: [ˈɛrkɛl ˈfɛrɛnt͡s] , germană: Franz Erkel ; 7 noiembrie 1810 – 15 iunie 1893) a fost un compozitor, dirijor și pianist maghiar . El a fost tatăl operei marii maghiare , scrisă în principal pe teme istorice, care sunt încă des jucate în Ungaria. De asemenea, a compus muzica „ Himnusz ”, imnul național al Ungariei , care a fost adoptat în 1844. A murit la Budapesta .

Statuia lui Ferenc Erkel din Budapesta de Alajos Stróbl .

Biografie [ editare ]

Erkel s-a născut în Gyula într-o familie Erkel șvabă dunărenă , fiul lui Joseph Erkel, care era muzician. Mama lui a fost unguroaica Klára Ruttkay. Libretele primelor sale trei opere au fost scrise de Béni Egressy . Pe lângă operele sale, pentru care este cel mai cunoscut, a scris piese pentru pian și cor și o uvertură maiestuoasă a festivalului . El l-a familiarizat pe Hector Berlioz cu melodia Marșului Rákóczi , pe care Berlioz a folosit-o în Damnation of Faust . [1]

A condus Orchestra Filarmonicii din Budapesta (fondată în 1853). De asemenea, a fost director și profesor de pian al Academiei Maghiare de Muzică până în 1886. Opera de Stat Maghiară din Budapesta a fost deschisă în 1884, al cărei director muzical a fost.

În 1839, s-a căsătorit cu Adél Adlers. Patru dintre fiii săi au participat la compunerea operelor sale ulterioare: Gyula (4 iulie 1842, Pest  – 22 martie 1909, Újpest ), Elek (2 noiembrie 1843, Pest – 10 iunie 1893, Budapesta ), László (aprilie ). 9, 1844, Pest – 3 decembrie 1896, Pozsony / Bratislava ) și Sándor (2 ianuarie 1846, Pest – 14 octombrie 1900, Békéscsaba ).

În cultura populară [ edit ]

  • Erkel a fost , de asemenea, un jucător de șah recunoscut internațional și un fondator al Pesti Sakk-kör (Clubul de șah din Budapesta).
  • Un departament al Operei a fost înființat în 1911 la Budapesta, care interpretează și opere, numit Erkel Színház ( Teatrul Erkel ) din 1953.
  • El a fost comemorat pe monede de aur și argint emise de Banca Națională a Ungariei pentru aniversarea a 200 de ani de la nașterea sa. [2]

Opere [ editează ]

200 de ani de la nașterea lui Ferenc Erkel, monedă memorială, Banca Națională a Ungariei, 2010, designer László Szlávics, Jr.

CRISTIAN VASILE

Cristian Vasile (8 mai 1908 – 15 iunie 1974) a fost un cunoscut cântăreț român de tango-romanț ( Romanță ) între 1928 și 1949, renumit pentru cântece precum „Zaraza”, „Aprinde o țigară”, „Ce să- ți mai scriu”, „Pentru tine am făcut nebunii”, și „Nunuțo”. S-a născut la Brăila , şi a murit în 1974 la Sibiu .

Cel mai mare succes al său, cântecul „Zaraza”, despre care se spunea că se referă la o femeie de etnie romă de care era îndrăgostit la acea vreme, a fost de fapt o versiune adaptată a unui tango uruguayan scris în 1929 de Benjamín Alfonso Tagle Lara . [1] Un zvon popular în jurul cântecului spune că iubitul lui Vasile a fost ucis de un cântăreț rival, Zavaidoc , iar moartea ei l-a făcut pe Vasile să nu mai cânte niciodată. Vasile și-a oprit, de fapt, brusc cariera de cântăreț, dar o explicație mai credibilă este că și-a pierdut vocea din cauza cancerului. [1] Deși se presupune că era în dezacord cu Zavaidoc, nu există nicio dovadă că o astfel de rivalitate a existat dincolo de simple zvonuri. [2]


ELLA FITZGERALD

Ella Fitzgerald
Fitzgerald, c. 1962
Născut
Ella Jane Fitzgerald

25 aprilie 1917
Newport News , Virginia , SUA
Decedat15 iunie 1996 (în vârstă de 79 de ani)
Beverly Hills, California , SUA
Loc de înmormântareCimitirul Inglewood Park
OcupaţieCântăreaţă
Soții
  • Benny Kornegay
    ​
    ​
    ( m.  1941; an.  1942 )
  • ​
    ​
    ( m.  1947; div.  1953 )
CopiiRay Brown Jr.
Cariera muzicala
genuri
Instrument(e)Voce
DiscografieDiscografia Ella Fitzgerald
ani activi1934-1993
Etichete
Site-ul webellafitzgerald .com

Ella Jane Fitzgerald (25 aprilie 1917 – 15 iunie 1996) a fost o cântăreață americană de jazz , denumită uneori „First Lady of Song”, „Queen of Jazz” și „Lady Ella”. Ea a fost remarcată pentru puritatea tonului, dicția impecabilă , fraza, sincronizarea, intonația și o capacitate de improvizație „asemănătoare cu cornul”, în special în cântarea ei scat .

După o adolescență tumultuoasă, Fitzgerald și-a găsit stabilitatea în succesul muzical cu Orchestra Chick Webb , cântând în toată țara, dar cel mai adesea asociat cu Savoy Ballroom din Harlem . Interpretarea ei a versului „ A-Tisket, A-Tasket ” a ajutat-o ​​atât pe ea, cât și pe Webb la faima națională. După ce a preluat trupa când Webb a murit, Fitzgerald a lăsat-o în urmă în 1942 pentru a-și începe cariera solo. Managerul ei a fost Moe Gale, co-fondatorul Savoy, [1] până când și-a predat restul carierei lui Norman Granz , care a fondat Verve Records pentru a produce noi discuri de Fitzgerald. Cu Verve, ea a înregistrat unele dintre lucrările ei mai cunoscute, în special interpretările ei ale Great American Songbook .

Fitzgerald a apărut și în filme și ca invitat la emisiuni de televiziune populare în a doua jumătate a secolului XX. În afara carierei sale solo, ea a creat muzică cu Louis Armstrong , Duke Ellington și The Ink Spots . Aceste parteneriate au produs cântece precum „ Dream a Little Dream of Me ”, „ Cheek to Cheek ”, „ Into Each Life Some Rain Must Fall ” și „ It Don’t Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) ". În 1993, după o carieră de aproape șaizeci de ani, ea a susținut ultima sa reprezentație publică. Trei ani mai târziu, ea a murit la vârsta de 79 de ani, după ani de sănătate în declin. Premiile ei au inclus 14 premii Grammy , Medalia Națională a Artelor , Premiul inaugural al președintelui NAACP și Medalia Prezidențială a Libertății .

Viața timpurie [ editare ]

Fitzgerald s-a născut pe 25 aprilie 1917, în Newport News , Virginia. [2] Ea a fost fiica lui William Fitzgerald și a lui Temperance „Tempie” Henry, ambii descriși ca mulat în recensământul din 1920. [3] Părinții ei erau necăsătoriți, dar au trăit împreună în secțiunea East End din Newport News [4] timp de cel puțin doi ani și jumătate după ce s-a născut. La începutul anilor 1920, mama lui Fitzgerald și noul ei partener, un imigrant portughez pe nume Joseph da Silva [3] s-au mutat în Yonkers , în comitatul Westchester , New York . [3] Sora ei vitregă, Frances da Silva, s-a născut în 1923. [5] Până în 1925, Fitzgerald și familia ei se mutaseră pe School Street din apropiere, o zonă săracă din Italia. [5] Ea și-a început educația formală la vârsta de șase ani și a fost o elevă remarcabilă, trecând printr-o varietate de școli înainte de a urma liceul Benjamin Franklin în 1929. [6]

Ea și familia ei erau metodiști și erau activi în Biserica Episcopală Metodistă Africană din Bethany , unde a participat la slujbe de închinare, studiu biblic și școala duminicală. [7] Biserica ia oferit lui Fitzgerald cele mai timpurii experiențe în muzică. [8] Începând din clasa a treia, lui Fitzgerald îi plăcea dansul și îl admira pe Earl Snakehips Tucker . Ea a cântat pentru colegii săi în drum spre școală și la prânz. [7]

Fitzgerald a ascultat înregistrări de jazz de Louis Armstrong , Bing Crosby și The Boswell Sisters . Ea a iubit-o pe solistul surorilor Boswell, Connee Boswell , spunând mai târziu: „Mama mea a adus acasă unul dintre discurile ei și m-am îndrăgostit de el... Am încercat atât de mult să sun ca ea”. [9]

În 1932, când Fitzgerald avea 15 ani, mama ei a murit din cauza rănilor suferite într-un accident de mașină. [10] Tatăl vitreg al lui Fitzgerald a avut grijă de ea până în aprilie 1933, când s-a mutat la Harlem pentru a locui cu mătușa ei. [11] Această schimbare aparent rapidă a circumstanțelor ei, întărită de ceea ce biograful Fitzgerald Stuart Nicholson descrie ca fiind zvonuri despre „rele tratamente” din partea tatălui ei vitreg, îl lasă să speculeze că Da Silva ar fi putut abuza de ea. [11]

Fitzgerald a început să sară peste școală, iar notele ei au avut de suferit. Ea a lucrat ca paznic la un bordelo și cu un alergător de numere afiliat mafiei . [12] Nu a vorbit în public despre această perioadă în viața ei. [13] Când autoritățile au ajuns din urmă cu ea, a fost plasată în azilul de orfani colorați din Riverdale , în Bronx . [14] Când orfelinatul sa dovedit prea aglomerat, ea a fost mutată la New York Training School for Girls , o școală reformator de stat din Hudson, New York. [14]

Cariera timpurie [ editare ]

Un tânăr Fitzgerald, fotografiat de Carl Van Vechten în ianuarie 1940

Deși pare să fi supraviețuit în 1933 și 1934 în parte cântând pe străzile din Harlem , Fitzgerald a debutat la vârsta de 17 ani pe 21 noiembrie 1934, într-una dintre primele nopți de amatori de la Teatrul Apollo . [15] [16] Ea intenționa să urce pe scenă și să danseze, dar a fost intimidată de un duo local de dans numit Edwards Sisters și a ales să cânte în schimb. [16] [17] Cântând în stilul lui Connee Boswell , ea a cântat „Judy” și „The Object of My Affection” și a câștigat premiul I. [18] Ea a câștigat șansa de a cânta la Apollo timp de o săptămână, dar, se pare, din cauza aspectului ei dezordonat, teatrul nu i-a oferit niciodată acea parte a premiului ei. [19]

În ianuarie 1935, Fitzgerald a câștigat șansa de a cânta timp de o săptămână cu trupa Tiny Bradshaw la Opera din Harlem . [15] Mai târziu în acel an, ea a fost prezentată toboșarului și liderului trupei Chick Webb de către Bardu Ali . [20] Deși „reticent să o semneze... pentru că era sclipitoare și neîngrijită, un „diamant în stare brută”” [9] , după unele convingătoare de către Ali, Webb i-a oferit ocazia să testeze cu trupa lui la un dans. la Universitatea Yale . [15]

Întâmpinată cu aprobarea atât a publicului, cât și a colegilor săi muzicieni, Fitzgerald a fost rugată să se alăture orchestrei lui Webb și a câștigat aprecieri ca parte a spectacolelor grupului la Harlem's Savoy Ballroom . [15] Fitzgerald a înregistrat câteva melodii de succes, inclusiv „Love and Kisses” și „ (If You Can’t Sing It) You’ll Have to Swing It (Mr. Paganini) ”. [15] Dar versiunea ei din 1938 a versului, „ A-Tisket, A-Tasket ”, un cântec pe care ea a co-scris, a fost cea care i-a adus aprecierea publicului. „A-Tisket, A-Tasket” a devenit un hit major la radio și a fost, de asemenea, unul dintre cele mai vândute discuri ale deceniului. [17] [21]

Webb a murit de tuberculoză spinală pe 16 iunie 1939 [22] , iar trupa sa a fost redenumită Ella Fitzgerald and Her Famous Orchestra, Fitzgerald preluând rolul de lider al trupei. [23] Ella și trupa au înregistrat pentru Decca și au apărut la Roseland Ballroom , unde au primit expunere națională la emisiunile radio NBC .

Ea a înregistrat aproape 150 de cântece cu orchestra lui Webb între 1935 și 1942. Pe lângă munca ei cu Webb, Fitzgerald a cântat și a înregistrat cu Orchestra Benny Goodman. Și ea a avut propriul ei proiect secundar, cunoscut sub numele de Ella Fitzgerald și Her Savoy Eight. [24]

Decca ani [ editează ]

Fitzgerald cu Dizzy Gillespie , Ray Brown , Milt Jackson și Timme Rosenkrantz în New York City, 1947

În 1942, cu o disidență tot mai mare și preocupări legate de bani în trupa lui Fitzgerald, Ella Fitzgerald and Her Famous Orchestra, a început să lucreze ca solistă cu The Three Keys, iar în iulie trupa ei a susținut ultimul lor concert la Earl Theatre din Philadelphia. [25] [26] În timp ce lucra pentru Decca Records , a avut hituri cu Bill Kenny & the Ink Spots , [27] Louis Jordan , [28] și Delta Rhythm Boys . [29] Producătorul Norman Granz a devenit managerul ei la mijlocul anilor 1940, după ce a început să cânte pentru Jazz at the Philharmonic , o serie de concerte începută de Granz.

Odată cu dispariția erei swing- ului și declinul marilor trupe mari în turneu , a avut loc o schimbare majoră în muzica jazz. Apariția bebop- ului a dus la noi evoluții în stilul vocal al lui Fitzgerald, influențate de munca ei cu trupa mare a lui Dizzy Gillespie . În această perioadă, Fitzgerald a început să includă cântecul scat ca o parte majoră a repertoriului ei de interpretare. În timp ce cânta cu Gillespie, Fitzgerald și-a amintit: „Am încercat să fac [cu vocea mea] ceea ce am auzit claxonele din trupă făcând”. [18]

Înregistrarea ei scat din 1945 din „ Flying Home ” aranjată de Vic Schoen va fi descrisă mai târziu de The New York Times drept „una dintre cele mai influente discuri vocale de jazz ale deceniului... Unde au încercat alți cântăreți, în special Louis Armstrong. improvizație similară, nimeni înainte ca domnișoara Fitzgerald să folosească tehnica cu o inventivitate atât de uluitoare.” [9] Înregistrarea ei bebop din „ Oh, Lady Be Good! ” (1947) a fost la fel de populară și i-a sporit reputația de unul dintre cei mai importanți vocaliști de jazz. [30]

Verve ani [ editează ]

Fitzgerald la Paul Masson Winery, Saratoga, California , în 1986

Fitzgerald a făcut primul ei turneu în Australia în iulie 1954 pentru promotorul american cu sediul în Australia Lee Gordon . [31] Aceasta a fost prima dintre celebrele promoții „Big Show” ale lui Gordon, iar turneul „pachet” a inclus și Buddy Rich , Artie Shaw și comediantul Jerry Colonna .

Deși turneul a fost un mare succes în rândul publicului și a stabilit un nou record de box office pentru Australia, a fost afectat de un incident de discriminare rasială care l-a făcut pe Fitzgerald să rateze primele două concerte din Sydney , iar Gordon a trebuit să organizeze două concerte gratuite ulterioare pentru compensa deținătorii de bilete. Deși cei patru membri din anturajul lui Fitzgerald – Fitzgerald, pianistul ei John Lewis , asistentul ei (și verișoara) Georgiana Henry și managerul Norman Granz – aveau toți bilete la clasa întâi la zborul programat al companiei Pan-American Airlines de la Honolulu în Australia, au fost li s-a ordonat să părăsească aeronava după ce s-au îmbarcat deja și li sa refuzat permisiunea de a se reîncărca în avion pentru a-și recupera bagajele și îmbrăcămintea. Drept urmare, au rămas blocați în Honolulu timp de trei zile înainte de a putea lua un alt zbor spre Sydney. Deși un raport de presă australiană contemporană [32] a citat un purtător de cuvânt al Pan-Amului australian care a negat că incidentul ar fi fost rasial, Fitzgerald, Henry, Lewis și Granz au intentat un proces civil pentru discriminare rasială împotriva Pan-Am în decembrie 1954 [33] și într-un interviu de televiziune din 1970, Fitzgerald a confirmat că au câștigat procesul și au primit ceea ce ea a descris drept o „înțelegere frumoasă”. [34]

Fitzgerald încă cânta la concertele Granz's Jazz at the Philharmonic (JATP) până în 1955. Ea a părăsit Decca, iar Granz, acum managerul ei, a creat Verve Records în jurul ei. Mai târziu, ea a descris perioada ca fiind crucială din punct de vedere strategic, spunând: „Ajunsesem la punctul în care cântam doar be-bop. Credeam că be-bop este „asta” și că tot ce trebuia să fac era să merg undeva și să cânt. bop Dar în sfârșit a ajuns la punctul în care nu aveam unde să cânt, mi-am dat seama că în muzică era mai mult decât bop... a simțit că ar trebui să fac alte lucruri, așa că a produs-o pe Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter. Cartea de cântece cu mine a fost un moment de cotitură în viața mea.” [9]

Pe 15 martie 1955, Ella Fitzgerald și-a deschis logodna inițială la clubul de noapte Mocambo din Hollywood, [35] [36] după ce Marilyn Monroe a făcut lobby proprietarului pentru rezervare. [37] Rezervarea a fost esențială în cariera lui Fitzgerald. Bonnie Greer a dramatizat incidentul ca drama muzicală, Marilyn and Ella , în 2008. Anterior a fost raportat pe scară largă că Fitzgerald a fost primul interpret de culoare care a interpretat Mocambo, în urma intervenției lui Monroe, dar acest lucru nu este adevărat. Cântăreții afro-americani Herb Jeffries , [38] Eartha Kitt [ 39] și Joyce Bryant [40] au cântat toți la Mocambo în 1952 și 1953, potrivit poveștilor publicate la acea vreme în revista Jet și Billboard .

Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book , lansat în 1956, a fost primul dintre cele opt seturi de Song Book pe care Fitzgerald le-a înregistrat pentru Verve la intervale neregulate din 1956 până în 1964. Compozitorii și textiștii evidențiați pe fiecare set, luați împreună, reprezintă cea mai mare parte. a canonului cultural cunoscut sub numele de Great American Songbook . Selecțiile ei de cântece au variat de la standarde la rarități și au reprezentat o încercare a lui Fitzgerald de a trece într-un public non-jazz. Seturile sunt cele mai cunoscute articole din discografia ei și, până în 1956, înregistrările lui Fitzgerald au fost prezentate la nivel național de Ben Selvin în cadrul bibliotecii de transcripții RCA Thesaurus . [41]

Fitzgerald în 1968, prin amabilitatea moșiei Fraser MacPherson

Ella Fitzgerald Sings The Duke Ellington Song Book a fost singurul Song Book pe care a cântat cu ea compozitorul pe care a interpretat-o. Duke Ellington și colaboratorul său de lungă durată Billy Strayhorn au apărut amândoi pe exact jumătate din cele 38 de piese ale setului și au scris două piese muzicale noi pentru album: „The E and D Blues” și un portret muzical în patru mișcări al lui Fitzgerald. Seria Song Book a ajuns să devină cea mai apreciată de critică și cea mai de succes lucrare a cântăreței și, probabil, cea mai semnificativă ofertă a ei pentru cultura americană. The New York Times a scris în 1996: „Aceste albume au fost printre primele discuri pop care au acordat o atenție atât de serioasă compozitorilor individuali și au fost esențiale în stabilirea albumului pop ca un vehicul de explorare muzicală serioasă”. [9]

La câteva zile după moartea lui Fitzgerald, editorialistul din The New York Times Frank Rich a scris că, în seria Song Book, Fitzgerald „a realizat o tranzacție culturală la fel de extraordinară precum integrarea contemporană a sufletului alb și afro-american de către Elvis . Aici era o femeie de culoare care populariza cântece urbane scrise adesea. de către evrei imigranți către un public național de creștini predominant albi”. [12] Frank Sinatra , din respect pentru Fitzgerald, a interzis Capitol Records să-și relanseze propriile înregistrări în albume separate pentru compozitori individuali în același mod. [ necesită citare ]

Fitzgerald a înregistrat, de asemenea, albume dedicate exclusiv melodiilor lui Porter și Gershwin în 1972 și 1983; albumele fiind, respectiv, Ella Loves Cole și Nice Work If You Can Get It . O colecție ulterioară dedicată unui singur compozitor a fost lansată în timpul ei cu Pablo Records , Ella Abraça Jobim , cu melodiile lui Antônio Carlos Jobim .

În timp ce înregistra Song Books și ocazional album de studio, Fitzgerald a făcut turnee între 40 și 45 de săptămâni pe an în Statele Unite și la nivel internațional, sub tutela lui Norman Granz. Granz a contribuit la consolidarea poziției ei de unul dintre cei mai importanți interpreți de jazz live. [9] În 1961, Fitzgerald a cumpărat o casă în cartierul Klampenborg din Copenhaga, Danemarca, după ce a început o relație cu un bărbat danez. Deși relația s-a încheiat după un an, Fitzgerald s-a întors în mod regulat în Danemarca în următorii trei ani și chiar s-a gândit să cumpere un club de jazz acolo. Casa a fost vândută în 1963, iar Fitzgerald s-a întors definitiv în Statele Unite. [42]

Fitzgerald cântând la Helsinki Culture Hall din Helsinki, Finlanda , în aprilie 1963

Există mai multe albume live pe Verve care sunt foarte apreciate de critici. La Opera House prezintă un jazz tipic la platoul Filarmonicii de la Fitzgerald. Ella în Roma și Douăsprezece nopți la Hollywood își arată canonul vocal de jazz. Ella in Berlin este încă unul dintre albumele ei cele mai vândute; include o interpretare câștigătoare a unui Grammy din „ Mack the Knife ” în care ea uită versurile, dar improviză pentru a compensa.

Verve Records a fost vândută la MGM în 1960 pentru 3 milioane de dolari, iar în 1967 MGM nu a reușit să reînnoiască contractul lui Fitzgerald. În următorii cinci ani, ea a zburat între Atlantic , Capitol și Reprise . Materialul ei la acest moment reprezenta o abatere de la repertoriul ei tipic de jazz. Pentru Capitol a înregistrat Brighten the Corner , un album de imnuri , Ella Fitzgerald's Christmas , un album de colinde tradiționale de Crăciun , Misty Blue , un album influențat de country și western și 30 de Ella , o serie de șase amestecuri care și-au îndeplinit obligațiile pentru eticheta. În această perioadă, ea a avut ultimul ei single în topurile din SUA, cu o acoperire a piesei „ Get Ready ” de Smokey Robinson , anterior un hit pentru Temptations , iar câteva luni mai târziu, un hit în top-5 pentru Rare Earth .

Succesul surpriză al albumului Jazz at Santa Monica Civic '72 din 1972 l-a determinat pe Granz să înființeze Pablo Records , prima sa casă de discuri de la vânzarea Verve. Fitzgerald a înregistrat aproximativ 20 de albume pentru etichetă. Ella din Londra a înregistrat live în 1974 cu pianistul Tommy Flanagan , chitaristul Joe Pass, basistul Keter Betts și bateristul Bobby Durham, a fost considerată de mulți ca fiind unele dintre cele mai bune lucrări ale ei. În anul următor, a cântat din nou cu Joe Pass la postul de televiziune german NDR din Hamburg . Anii ei cu Pablo Records au documentat și declinul vocii ei. „Ea folosea frecvent fraze mai scurte, înjunghiate, iar vocea ei era mai dură, cu un vibrato mai larg”, a scris un biograf. [43] Afectată de probleme de sănătate, Fitzgerald a făcut ultima sa înregistrare în 1991 și ultimele spectacole publice în 1993. [44]

Film și televiziune [ editare ]

Fitzgerald dă mâna președintelui Ronald Reagan după ce a jucat la Casa Albă , 1981

Fitzgerald a interpretat rolul cântăreței Maggie Jackson în filmul de jazz al lui Jack Webb din 1955 , Pete Kelly's Blues . [45] Filmul i-a jucat pe Janet Leigh și pe cântăreața Peggy Lee . [46] Chiar dacă lucrase deja în filme (a cântat două melodii în filmul Ride 'Em Cowboy din 1942 cu Abbott şi Costello ), [47] a fost „încântată” când Norman Granz a negociat rolul pentru ea şi „ la acea vreme... considera rolul ei din filmul Warner Brothers cel mai mare lucru care i s-a întâmplat vreodată.” [43] În mijlocul filmului The New York Times când a fost lansat în august 1955, recenzentul a scris: „Aproximativ cinci minute (din nouăzeci și cinci) sugerează imaginea care ar fi putut fi aceasta. Luați prologul ingenios... [ 43] sau] luați scenele trecătoare când minunata Ella Fitzgerald, care a alocat câteva linii rostite, umple ecranul și coloana sonoră cu caracteristicile și vocea ei puternice pentru mobil.” [48]

După Pete Kelly's Blues , ea a apărut în cameo-uri sporadice în filme, în St. Louis Blues (1958) [49] și Let No Man Write My Epitaph (1960). [50]

Ea a făcut numeroase apariții în emisiuni de televiziune, cântând la The Frank Sinatra Show , The Carol Burnett Show , The Andy Williams Show , The Pat Boone Chevy Showroom   [ d ] și alături de alți mari Nat King Cole , Dean Martin , Mel Tormé și multe altele. Ea a fost, de asemenea, prezentată frecvent la The Ed Sullivan Show . Poate cea mai neobișnuită și intrigantă interpretare a ei a fost cântecul „Three Little Maids” din opereta comică a lui Gilbert și Sullivan, The Mikado, alături de serialul săptămânal de varietate al lui Joan Sutherland și Dinah Shore on Shore, în 1963. O reprezentație la Ronnie Scott's Jazz Club din Londra a fost filmat și prezentat la BBC. Fitzgerald a făcut, de asemenea, o apariție unică alături de Sarah Vaughan și Pearl Bailey într-o specială de televiziune din 1979 în onoarea lui Bailey. În 1980, ea a interpretat un amestec de standarde într-un duet cu Karen Carpenter la specialul de televiziune Music, Music, Music . [51]

Fitzgerald a apărut și în reclame TV, inclusiv o reclamă pentru Memorex . [52] În reclame, ea a cântat o notă care a spart un pahar în timp ce era înregistrată pe o casetă Memorex. [53] Caseta a fost redată și înregistrarea a spart și un alt pahar, întrebând: „Este live, sau este Memorex?” [53] Ea a apărut, de asemenea, într-o serie de reclame pentru Kentucky Fried Chicken , cântând și răspândind sloganul de mult timp al lanțului de fast-food: „Noi facem puiul corect!” [54] Ultima ei campanie comercială a fost pentru American Express , în care a fost fotografiată de Annie Leibovitz . [55]

Ella Fitzgerald Just One of Those Things este un film despre viața ei, inclusiv interviuri cu mulți cântăreți și muzicieni celebri care au lucrat cu ea și cu fiul ei. A fost regizat de Leslie Woodhead și produs de Reggie Nadelson. A fost lansat în Marea Britanie în 2019. [56]

Colaborări [ edit ]

Cele mai faimoase colaborări ale lui Fitzgerald au fost cu cvartetul vocal Bill Kenny & the Ink Spots , trompetistul Louis Armstrong , chitaristul Joe Pass și liderii trupei Count Basie și Duke Ellington .

  • Din 1943 până în 1950, Fitzgerald a înregistrat șapte melodii cu Ink Spots, cu Bill Kenny. Dintre cele șapte, patru au ajuns în vârful topurilor pop, inclusiv „ I’m Making Believe ” și „ Into Each Life Some Rain Must Fall ”, ambele au ajuns pe locul 1.
  • Fitzgerald a înregistrat trei albume de studio Verve cu Louis Armstrong, două albume standard ( Ella și Louis din 1956 și Ella și Louis Again din 1957 ), iar un al treilea album conținea muzică din opera Gershwin Porgy and Bess . Fitzgerald a înregistrat, de asemenea, o serie de părți cu Armstrong pentru Decca la începutul anilor 1950.
  • Fitzgerald este uneori menționată drept cântăreața de swing prin excelență, iar întâlnirile ei cu Count Basie sunt foarte apreciate de critici. Fitzgerald apare într-o piesă de pe albumul lui Basie din 1957, One O'Clock Jump , în timp ce albumul ei din 1963 Ella and Basie! este amintită ca fiind una dintre cele mai mari înregistrări ale ei. Cu trupa „New Testament” Basie în plină desfășurare și aranjamentele scrise de un tânăr Quincy Jones , acest album sa dovedit un răgaz de la înregistrările „Song Book” și de la turneele constante în care Fitzgerald a fost angajat în această perioadă. Fitzgerald și Basie au mai colaborat la albumul din 1972 Jazz at Santa Monica Civic '72 și la albumele din 1979 Digital III at Montreux , A Classy Pair și A Perfect Match .
  • Fitzgerald și Joe Pass au înregistrat împreună patru albume spre sfârșitul carierei lui Fitzgerald. A înregistrat mai multe albume cu acompaniament de pian, dar o chitară s-a dovedit a fi folia melodică perfectă pentru ea. Fitzgerald și Pass au apărut împreună pe albumele Take Love Easy (1973), Easy Living (1986), Speak Love (1983) și Fitzgerald and Pass... Again (1976).
  • Fitzgerald și Duke Ellington au înregistrat două albume live și două albume de studio. Cartea ei de cântece Duke Ellington l-a plasat ferm pe Ellington în canonul cunoscut sub numele de Great American Songbook, iar anii 1960 i-au văzut pe Fitzgerald și „Duke” întâlnindu-se pe Coasta de Azur pentru albumul din 1966 Ella and Duke at the Cote D'Azur și în Suedia pentru Concertul de la Stockholm, 1966 . Albumul lor din 1965 Ella at Duke's Place este, de asemenea, extrem de bine primit.

Fitzgerald a avut câțiva muzicieni de jazz celebri și soliști ca alături de-a lungul lungii ei cariere. Trâmbițiștii Roy Eldridge și Dizzy Gillespie, chitaristul Herb Ellis și pianiștii Tommy Flanagan, Oscar Peterson , Lou Levy , Paul Smith , Jimmy Rowles și Ellis Larkins au lucrat cu Fitzgerald mai ales în grupuri mici.

Boală și moarte [ editare ]

Fitzgerald a avut diabet pentru câțiva ani din viața ei mai târziu, ceea ce a dus la numeroase complicații . [9] În 1985, Fitzgerald a fost internat pentru scurt timp pentru probleme respiratorii, [57] în 1986 pentru insuficiență cardiacă congestivă [ 58] și în 1990 pentru epuizare. [59] În martie 1990, a apărut la Royal Albert Hall din Londra, Anglia, cu Count Basie Orchestra pentru lansarea Jazz FM , plus o cină de gală la hotelul Grosvenor House la care a cântat. [60] În 1993, a trebuit să i se ampute ambele picioare sub genunchi din cauza efectelor diabetului. [61] Vederea ei a fost, de asemenea, afectată. [9]

Ea a murit în casa ei în urma unui accident vascular cerebral pe 15 iunie 1996, la vârsta de 79 de ani. [9] La câteva ore după moartea ei, Festivalul de Jazz Playboy a fost lansat la Hollywood Bowl . În semn de omagiu, marcajul scria: „Ella We Will Miss You”. [62] Înmormântarea ei a fost privată [62] și a fost înmormântată la Cimitirul Inglewood Park din Inglewood, California. [63]

Viața personală [ editare ]

Fitzgerald s-a căsătorit de cel puțin două ori și există dovezi care sugerează că s-ar fi căsătorit a treia oară. Prima ei căsătorie a fost în 1941, cu Benny Kornegay, un traficant de droguri condamnat și muncitor portuar local. Căsătoria a fost anulată în 1942. [64] A doua ei căsătorie a fost în decembrie 1947, cu faimosul basist Ray Brown , pe care îl întâlnise în turneu cu trupa lui Dizzy Gillespie cu un an mai devreme. Împreună au adoptat un copil născut din sora vitregă a lui Fitzgerald, Frances, pe care au botezat-o Ray Brown Jr. Cu Fitzgerald și Brown adesea ocupați cu turnee și înregistrări, copilul a fost crescut în mare parte de mătușa mamei sale, Virginia. Fitzgerald și Brown au divorțat în 1953, din cauza diferitelor presiuni în carieră pe care ambii le sufereau la acea vreme, deși vor continua să cânte împreună. [9]

În iulie 1957, Reuters a raportat că Fitzgerald s-a căsătorit în secret cu Thor Einar Larsen, un tânăr norvegian, la Oslo . Ea ajunsese chiar și până la mobilarea unui apartament în Oslo, dar aventura a fost uitată rapid când Larsen a fost condamnat la cinci luni de muncă silnică în Suedia pentru că a furat bani de la o tânără cu care fusese logodit anterior. [65]

Fitzgerald era notoriu de timid. Trompetistul Mario Bauzá , care a cântat în spatele lui Fitzgerald în primii ei ani cu Chick Webb , și-a amintit că „nu a stat prea mult. Când a intrat în trupă, era dedicată muzicii ei... Era o fată singură în preajmă . New York, s-a ținut doar pentru ea, pentru concert.” [43] Când, mai târziu în cariera ei, Society of Singers a numit un premiu după ea, Fitzgerald a explicat: „Nu vreau să spun ceva greșit, ceea ce fac întotdeauna, dar cred că mă descurc mai bine când cânt”. [18]

Din 1949 până în 1956, Fitzgerald a locuit în cartierul St. Albans din Queens, New York , o enclavă de afro-americani prosperi, unde a numărat printre vecinii săi Illinois Jacquet , Count Basie , Lena Horne și alte luminate ale jazz-ului. [66]

Fitzgerald a fost o activistă pentru drepturile civile, și-a folosit talentul pentru a sparge barierele rasiale din întreaga națiune. A primit premiul Asociației Naționale pentru Avansarea Oamenilor de culoare Egal Justice și American Black Achievement Award. [67] În 1949, Norman Granz l-a recrutat pe Fitzgerald pentru turneul Jazz at the Philharmonic . [68] Turneul Jazz at the Philharmonic ar viza în mod special locuri separate. Granz le-a cerut promotorilor să se asigure că nu există locuri „colorate” sau „albe”. El s-a asigurat că Fitzgerald va primi salariu și cazare egală, indiferent de sexul și rasa ei. Dacă nu erau îndeplinite condițiile, spectacolele au fost anulate. [69]

Bill Reed, autorul cărții Hot from Harlem: Twelve African American Entertainers , s-a referit la Fitzgerald drept „Civil Rights Crusader”, confruntat cu discriminarea de-a lungul carierei sale. [70] În 1954, în drum spre unul dintre concertele ei din Australia, nu a putut să se îmbarce pe zborul Pan American din cauza discriminării rasiale. [71] Deși s-a confruntat cu mai multe obstacole și bariere rasiale, a fost recunoscută drept „ambasador cultural”, primind Medalia Națională a Artelor în 1987 și cea mai înaltă onoare non-militară a Americii, Medalia Prezidențială a Libertății. [69] [72]

În 1993, Fitzgerald a înființat Fundația de caritate Ella Fitzgerald, concentrându-se pe granturi caritabile pentru patru categorii majore: oportunități academice pentru copii, educație muzicală, nevoi de îngrijire de bază pentru cei mai puțin norocoși, cercetare medicală care se învârte în jurul diabetului, bolilor de inimă și tulburărilor de vedere. [73] Obiectivele ei au fost să ofere înapoi și să ofere oportunități celor „la risc” și mai puțin norocoși. În plus, ea a sprijinit mai multe organizații nonprofit precum American Heart Association , City of Hope și Retina Foundation . [74] [75] [76]

Discografie și colecții [ edit ]

Articolul principal: discografia Ella Fitzgerald

Colecțiile principale ale materialelor media și suvenirelor lui Fitzgerald se află și sunt împărțite între Instituția Smithsonian și Biblioteca Congresului SUA . [77]

Premii, citări și onoruri [ edit ]

Articolul principal: Lista premiilor primite de Ella Fitzgerald

Fitzgerald a câștigat 13 premii Grammy [78] și a primit premiul Grammy pentru întreaga viață în 1967. [78]

În 1958, Fitzgerald a devenit prima femeie afro-americană care a câștigat la spectacolul inaugural. [78]

Alte premii și onoruri majore pe care le-a primit de-a lungul carierei sale au fost Premiul Kennedy Center for the Performing Arts Medal of Honor Award , National Medal of Art , primul Society of Singers Lifetime Achievement Award (numit „Ella” în onoarea ei), Presidential Medal of Freedom , și premiul George și Ira Gershwin pentru realizări muzicale pe viață, UCLA Spring Sing și medalia UCLA (1987). [79] Peste oraș, la Universitatea din California de Sud , ea a primit premiul USC „Magnum Opus”, care se află în biroul Fundației caritabile Ella Fitzgerald. În 1986, a primit un doctorat onorific în muzică de la Universitatea Yale. [80] În 1990, a primit un doctorat onorific în muzică de la Universitatea Harvard . [81]

Omagiu și moștenire [ edit ]

Fitzgerald în 1960 de Erling Mandelmann

Istoria carierei și materialul de arhivă din lunga carieră a lui Fitzgerald sunt găzduite în Centrul de Arhive de la Muzeul Național de Istorie Americană al Smithsonian , în timp ce aranjamentele sale muzicale personale se află la Biblioteca Congresului . Colecția ei extinsă de cărți de bucate a fost donată Bibliotecii Schlesinger de la Universitatea Harvard , iar colecția sa extinsă de partituri publicate a fost donată UCLA. Harvard i-a acordat o diplomă onorifică în muzică în 1990.

În 1997, Newport News, Virginia a creat un festival de muzică de o săptămână cu Universitatea Christopher Newport pentru a o onora pe Fitzgerald în orașul ei natal.

Ann Hampton Callaway , Dee Dee Bridgewater și Patti Austin au înregistrat albume în tributul lui Fitzgerald. Albumul lui Callaway To Ella with Love (1996) cuprinde 14 standarde de jazz populare de Fitzgerald, iar albumul îl prezintă și pe trompetistul Wynton Marsalis . Albumul lui Bridgewater Dear Ella (1997) a prezentat mulți muzicieni care au fost strâns asociați cu Fitzgerald în timpul carierei sale, inclusiv pianistul Lou Levy , trompetistul Benny Powell și al doilea soț al lui Fitzgerald, contrabasistul Ray Brown. Următorul album al lui Bridgewater, Live at Yoshi's , a fost înregistrat live pe 25 aprilie 1998, ceea ce ar fi fost împlinirea a 81 de ani a lui Fitzgerald.

Albumul lui Austin, For Ella (2002) conține 11 cântece asociate cel mai imediat cu Fitzgerald, iar o a douăsprezecea piesă, „Hearing Ella Sing” este tributul lui Austin lui Fitzgerald. Albumul a fost nominalizat la Grammy . În 2007, a fost lansat We All Love Ella , un album tribut înregistrat cu ocazia împlinirii a 90 de ani a lui Fitzgerald. Acesta a prezentat artiști precum Michael Bublé , Natalie Cole , Chaka Khan , Gladys Knight , Diana Krall , kd lang , Queen Latifah , Ledisi , Dianne Reeves, Linda Ronstadt și Lizz Wright , adunând melodii cel mai ușor asociate cu „First Lady of Song”. ". Albumul To Ella al cântăreței populare Odetta (1998) este dedicat lui Fitzgerald, dar nu conține melodii asociate cu ea. Acompanitorul ei Tommy Flanagan și-a amintit cu afecțiune de Fitzgerald pe albumul său Lady be Good ... For Ella (1994).

" Ella, elle l'a ", un omagiu adus lui Fitzgerald scris de Michel Berger și interpretat de cântăreața franceză France Gall , a fost un hit în Europa în 1987 și 1988. [82] Fitzgerald este menționat și în hitul din 1976 Stevie Wonder " Sir Duke " de pe albumul său Songs in the Key of Life , și piesa "I Love Being Here With You", scrisă de Peggy Lee și Bill Schluger. Înregistrarea din 1986 a lui Sinatra „ Mack the Knife ” de pe albumul său LA Is My Lady (1984) include un omagiu adus unora dintre interpretii anteriori ai cântecului, inclusiv „Lady Ella” însăși. Ea este, de asemenea, onorată în piesa „First Lady” a artistului canadian Nikki Yanofsky .

În 2008, Centrul de Arte Culturale Downing-Gross din Newport News a numit noul său teatru cu 276 de locuri Ella Fitzgerald Theatre. Teatrul este situat la câteva străzi distanță de locul ei natal, pe Marshall Avenue. Artistele de la Grand Opening (11 și 12 octombrie 2008) au fost Roberta Flack și Queen Esther Marrow .

În 2012, Rod Stewart a interpretat un „duet virtual” cu Ella Fitzgerald pe albumul său de Crăciun Merry Christmas, Baby și pe specialul său de televiziune cu același nume. [83]

Există o sculptură în bronz a lui Fitzgerald în Yonkers, orașul în care a crescut, creată de artistul american Vinnie Bagwell. Este situat la sud-est de intrarea principală în stația Amtrak / Metro-North Railroad, în fața vechiului hambar de troleioane al orașului . Locația statuii este una dintre cele 14 opriri de tur pe traseul patrimoniului afro-american din județul Westchester . Un bust al lui Fitzgerald se află în campusul Universității Chapman din Orange, California. Ed Dwight a creat o serie de peste 70 de sculpturi din bronz la Muzeul Arcului St. Louis la cererea Serviciului Parcurilor Naționale; seria, „Jazz: An American Art Form”, descrie evoluția jazz-ului și prezintă diverși interpreți de jazz, inclusiv Fitzgerald. [84]

La 9 ianuarie 2007, Serviciul Poștal al Statelor Unite a anunțat că Fitzgerald va fi onorată cu propria ei ștampilă poștală. [52] Ștampila a fost lansată în aprilie 2007, ca parte a seriei Black Heritage a Serviciului Poștal. [85]

În aprilie 2013, ea a fost prezentată în Google Doodle , ilustrând-o cântând pe scenă. A sărbătorit ceea ce ar fi fost ziua ei de 96 de ani. [86] [87]

Pe 25 aprilie 2017, centenarul nașterii ei, BBC Radio 2 din Marea Britanie a difuzat trei programe în cadrul unei sărbători „Ella at 100”: Ella Fitzgerald Night , prezentată de Jamie Cullum ; Amintindu-l pe Ella ; introdus de Leo Green ; și Ella Fitzgerald – Prima Doamnă a Song , prezentată de Petula Clark . [88]

În 2019, Ella Fitzgerald: Just One of Those Things , un documentar de Leslie Woodhead , a fost lansat în Marea Britanie. A prezentat filmări rare, emisiuni radio și interviuri cu Jamie Cullum, Andre Previn , Johnny Mathis și alți muzicieni, plus un interviu lung cu fiul lui Fitzgerald, Ray Brown Jr. [56]

În 2023, Rolling Stone l-a clasat pe Fitzgerald pe locul 45 pe lista celor 200 de cei mai mari cântăreți ai tuturor timpurilor. [89]


la

Niciun comentariu:

Trimiteți un comentariu

Abonați-vă la: Postare comentarii (Atom)

 MATERIALE SELECȚIONATE PENTRU 12 IULIE 2024 ISTORIE PE ZILE 12 Iulie Evenimente ·           1153: Anastase IV (Corrado del Suburra), este i...

  • (niciun titlu)
    MATERIALE SELECȚIONATE PENTRU MIERCURI 15 IULIE 2020   PARTEA A TREIA - ARTE; GÂNDURI PESTE TIMP; GLUMEȘTE, FII VESEL ȘI VEI RĂMÂNE TÂNĂR...
  • (niciun titlu)
      7. /14 IULIE 2021 - MUZICĂ; PE O ARIPĂ DE CÂNT MARIA TRIPON Maria Tripon Date personale Născută 14 iulie 1962  (58 de ani)  orașul  Negreș...
  • (niciun titlu)
    INVITAȚIE LA OPERĂ, OPERETĂ ȘI BALET 15 Iulie Dorin Teodorescu Dedic acest material drei Dr Andreea Teodorescu! Câteva cuvinte de...